MILLA JOVOVICH protagoniza la pelicula rusa LUCKY TROUBLE del Festival de Sevilla

MILLA JOVOVICH  PROTAGONIZA LA SECCIÓN EUROPA JUNIOR EN EL FESTIVAL DE SEVILLA CON LA PELÍCULA ‘LUCKY TROUBLE’

Más de diez mil niños y jóvenes sevillanos asistirán a las sesiones organizadas por el SEFF’11en las salas de CineZona de Sevilla Este

Los niños y jóvenes sevillanos cuentan también con sus sesiones especiales dentro del Festival de Cine Europeo de Sevilla, que abrirá su exitosa sección Europa Junior con el estreno en España de la película rusa Lucky Trouble, una comedia romántica con la actriz Milla Jovovich de protagonista.
Lucky trouble es el primer largometraje del cineasta Levan Gabriadze, conocido por sus trabajos en publicidad, y narra la historia de Slava Kolotilov, maestro en una pequeña ciudad de la costa rusa que llega a Moscú con el manuscrito de su primera novela debajo del brazo, decidido a conquistar la ciudad y a la bella Nadya. Una trama repleta de enredos –capitaneada por un grupo de niños pertenecientes a un equipo de fútbol infantil- completa el argumento de esta película que se ha convertido en una de las más taquilleras de la temporada en Rusia.
De este modo, esta película viene a consolidar el ciclo infantil y juvenil Europa Junior, que se concibe como una actividad paralela que aspira a facilitar el encuentro entre el cine europeo actual y la escuela. Con las proyecciones dirigidas al público escolar, el Sevilla Festival de Cine Europeo pretende promover una experiencia cinematográfica colectiva de entretenimiento, y al mismo tiempo, considerar el valor potencial del cine como vehículo de aprendizaje y conocimiento.
En concreto, el año pasado fueron más de 10.000 escolares, pertenecientes a más de un centenar de colegios, los asistentes a estas proyecciones.La sesión inaugural de Europa Junior tendrá lugar en el Teatro Lope de Vega, mientras que el resto de sesiones se celebrarán en las salas de CineZona, situado en el centro comercial Zona Este (Sevilla Este), que recibirán a los escolares procedentes de centros de Sevilla y su provincia.

Europa Junior se celebrará entre los días 7 y 11 de noviembre en los multicines Cine Zona en horario matinal con pases de cada película a las 10.00 y las 12.00 horas.

PASODOBLE A BARCELO

El pasodoble torero sirve para rematar con alegría una buena faena en el ruedo. Pero lo más importante es que sus ecos elevan a mito a figuras del toreo. El 'pa qué te metes' de Manolete o el 'con mas salero' de El Cordobés se han convertido en verdaderos himnos de gloria popular, que siguen canturreándose en las jaranas. Solo lo más grandes terminan mereciendo el tiempo del compositor y solo los mitos perviven en el cancionero. No se quedarán sin su pasodoble José Tomás o Morante de la Puebla, nuevos magos de este secular rito ibérico. Y no solo convertirán su arte en música.

También la pintura o el cine terminan coronando al toreo. El Picasso de nuestro tiempo, genio en la mirada y el trazo, sabio en lo popular y maestro de la vanguardia, es Miquel Barceló, que también ha entendido lo telúrico del trasunto de la fiesta. Barceló ha creado el cartel para hacer imperecedera la última corrida prevista en la Monumental de Barcelona, la primera plaza donde el pasodoble amenizó la faena. También es Barceló el que ha colocado un título felizmente equivoco, 'Los pasos dobles' a la película sobre su experiencia creativa en África, firmada por Isaki Lacuesta y consagrada en el festival de San Sebastián. Polémica, como el arte de los toros, envuelve entre arenas africanas y ritos de dogones la complejidades del origen del arte.

Carmelo Bernaola le compuso un pasodoble a Azcona, maestro del guión y gran aficionado. Ha retratado el americano Stephen Higgins a 'El Fandi' en 'Matador', ha rodado el austriaco Gunter Schwaiger a los más grandes en 'Arena' y ahora se estrenará en el Festival de Sevilla 'Morarte', sobre el maestro de La Puebla del Río. Echamos en falta su pase en televisión para degustar y profundizar en las claves de un rito fundamental para la supervivencia del toro bravo.

Carne apropiada del arte cinemático, inspiración singular para los artistas, la corrida desaparecerá de la plaza, pero pervivirá en las artes. Con banda sonora a ritmo de un pasodoble; el que ya se ha merecido el maestro Miquel Barceló. Va por él, artista de la fiesta.

FESTIVAL DE SEVILLA: La moda del cine en Blanco y Negro

 CINE / DEL 3D AL BLANCO Y NEGRO

El cine en blanco y negro toma el Festival de Sevilla

«Veremos si esta tendencia cuaja o es una moda pasajera», dice el director del certamen, que cree que el b/n y las tres dimensiones convivirían sin problemas

JESÚS ÁLVAREZ / SEVILLA

Día 24/09/2011 - 00.06h

La película española «Los muertos no se tocan, nene», de José Luis García Sánchez, que abrirá el Festival de Sevilla

La francesa «The artist», de Michel Hazanavicius

«Heart's boomerang», del ruso Nicolay Khomeriki

«The Turin horse», del húngaro Béla Tarr

El Festival de Cine Europeo de Sevilla, cuya edición de 2011 se inaugurará el próximo 4 de noviembre, parece la prueba del nueve de una nueva moda que parece a abrirse paso en el mundo del cine: rodar en blanco y negro. Cuatro películas de distintas nacionalidades llegan a Sevilla sin el color en plena fiebre por las últimas tecnologías y el cine en 3D que «Avatar» elevó al olimpo del negocio. En los últimos tiempos la industria cinematográfica ha girado hacia las tres dimensiones, con James Cameron en cabeza de carrera, para intentar atraer con un nuevo y sofisticado producto la atención de un público que ha dejado de ir a las salas a causa del pirateo digital y del abaratamiento de las grandes pantallas de plasma. El fenómeno 3D ha estado funcionando muy bien en taquilla durante los dos últimos años, a pesar de los elevados precios de las localidades, un 30 por ciento más caras, pero el efecto novedad se está pasando y los datos de recaudación ya han empezado a caer en EE.UU. Paralelamente al aparente cansancio que comienza a provocar esta última tecnología, cineastas consagrados y jóvenes realizadores europeos han retrocedido seis décadas para volver a rodar en blanco y negro. Dos fenómenos contradictorios que tendrán que aprender a convivir.

El húngaro Béla Tarr trae a Sevilla en noviembre su última película«Turin horse», una historia sencilla sobre la salud quebradiza de un caballo, inspirada en un episodio vivido por Nietzsche a finales del siglo XIX y rodada íntegramente en blanco y negro. También la película con la que se inaugurará el festival sevillano está rodada en blanco y negro. Con «Los muertos no se tocan, nene», José Luis García Sánchez cierra la trilogía iniciada por Rafael Azcona con «El pisito» y «El cochecito». Este homenaje al célebre guionista ya desaparecido ha respetado la ambientación de la época y renunciado al color, como también ha hecho la francesa «The Artist», presentada en el pasado Festival de Cannes, donde Jean Dujardin logró una palma de oro al mejor actor. Esa cinta, que participará en la sección EFA del certamen, cuenta la historia de un actor estrella del cine mudo que se niega a dar el paso al cine sonoro y acaba arruinando su reputación. Su director, Michel Hazanavicius, ha llegado más lejos puesto que le ha metido una potentísima banda sonora pero ni un solo diálogo. Una película, pues, muda, que la crítica especializada considera «una obra maestra contemporánea».

La rusa «Heart's boomerang» («El búmeran del corazón») será la cuarta película en blanco y negro que podrá verse en Sevilla y que competirá en la sección oficial del festival. Se trata de una historia sobre el metro de Moscú que firma Nikolay Khomeriki.

¿El blanco y negro ha venido para quedarse o es un fenómeno puramente circunstancial?Javier Martín Domínguez, director del Festival de Cine Europeo de Sevilla, dice que «es pronto para saberlo», aunque cree que podría convivir perfectamente con las películas en 3D. «No son fenómenos excluyentes y los dos persiguen objetivos parecidos, llenar las salas de cine, aunque se dirigen a públicos distintos y a veces se cae en el absurdo de hacer en 3D películas en la que resulta surrealista», comenta.

Más guión, menos color

Béla Tarr no es surrealista pero tampoco ha necesitado rodar en color en su última película. Ha preferido trabajar luces y contrastes con un gran iluminador e ir al cogollo de la historia. «Cuanto mejor guión tenga una película, menos artilugios y efectos especiales necesitará», afirma Martín Domínguez, que añade que con el blanco y negro «la luz es muy especial, gastada, lo que puede tener un gran efecto visual en una sala de cine».

Cuando Charles Vidor rodó «Gilda» en 1946 no podría seguramente imaginar la repercusión que tendría en la historia del cine alguna de sus escenas, como la del famoso «desnudo» de Rita Hayworth (de un guante y de un brazo) o la de la bofetada que le propina Glenn Ford tras ese provocador, para la época, baile. Pero Vidor sí era muy consciente de que el blanco y negro iluminaba las caras de sus actores y favorecían la belleza natural de la protagonista que en ninguna de sus películas posteriores, rodadas en «technicolor», pudo igualar. Por esa y por otras razones grandes directores actuales como Scorsese, Spielberg, Tim Burton o Woody Allen han rodado en blanco y negro, un fenómeno que ahora vuelve con fuerza.

Miquel Barceló, que acaba de presentar en San Sebastián un documental sobre su trabajo, sostiene que para llegar a ser un gran pintor hay que atravesar todos los períodos históricos de la pintura, con sus distintas técnicas y materiales. Con los directores de cine puede pasar algo parecido. José Luis Garci rodó en blanco y negro «You are the one» y José Luis García Sánchez ha hecho lo mismo con «Los muertos no se tocan, nene», película inaugural del próximo Festival de Sevilla. «Se ha abierto mucho el campo en el cine, ahora se hace mucho en 3D, pero también se está volviendo al blanco y negro, todo vale, si a la gente le gusta», comenta a ABC. Respecto a su pelicula, afirma que «el blanco y negro forma parte de su ambientación, como el vestuario de los años 50. Es su estética, aunque rodar en blanco y negro ahora es muy difícil porque desgraciadamente ya no se revela en blanco y negro. Si este cine tiene éxito y da dinero, el blanco y negro seguirá. Ojalá sea así», dice.

La verdad y la mentira

García Sánchez destaca el impacto que produce la luz sobre los volúmenes y afirma que «para llegar con el color a la estética de la fotografía de Gilda tienen que pasar aún muchas cosas. Antes las película eran pintadas, para mí el blanco y negro era la verdad y el color la mentira».

Para Michel Hazanavicius, director de «The artist» «lo más complicado fue convencerme de que este proyecto valía la pena proque va contra las tendencias actuales, es casi anacrónico: ¡estábamos en medio de la locura por “Avatar”, en plena moda del 3D!». Y añade: «Es un cine emocional, sensorial, que sólo funciona sore los sentimientos que has creado. Es una forma fascinante de trabajar».

La maleta mexicana de Robert Capa

El documental «La maleta mexicana», una coproducción hispano-mexicana dirigida por Trisha Ziff, también podrá verse en el próximo Festival de Cine Europeo de Sevilla. Cuenta la historia de 4.500 negativos sobre la Guerra Civil española que salieron de las cámaras de los fotógrafos Robert Capa, Gerda Taro y David «Chim» y que desaparecieron y fueron recuperados 70 años después en la ciudad de México. El documental, ya exhibido en Nueva York, recorre el viaje que hicieron estos negativos de Francia a México. La obra muestra más de 300 fotografías recuperadas de los legendarios fotógrafos e imágenes de la guerra española. También incluye entrevistas con supervivientes e hijos de exiliados, así como con fotógrafos y «curators». Según Ziff, el documental «no es una biografía ni un estudio sobre su obra en la Guerra Civil española, sino un esfuerzo de entender a través de sus imágenes temas críticos en torno a la modernidad».di

VALLE INCLAN visto por GARCIA SANCHEZ. Curso del Festival de Cine y la Universidad de Sevilla

EL FESTIVAL DE SEVILLA Y EL CICUS ANALIZAN LA APORTACIÓN AL CINE DE VALLE-INCLÁN

La Facultad de Comunicación de la Universidad de Sevilla celebra los días 2, 3 y 4 de noviembre el curso ‘La literatura de Valle-Inclán en el cine de García Sánchez’. El autor de ‘Luces de bohemia’ fue teorizante de un incipiente cinema en la revista satírica ‘El bufón’ y hasta participó como actor en la película ‘La malcasada’ (1926).

El curso ‘La literatura de Valle-Inclán en el cine de García Sánchez’ coincide con el estreno internacional de la última película de este cineasta, ‘Los muertos no se tocan, nene’, que inaugura la próxima edición del Festival de Cine de Sevilla el próximo 4 de noviembre. Está dirigido por el catedrático de la Hispalense Rafael Utrera Macías y su temática está orientada a analizar la expresión cinematográfica existente en la obra del célebre escritor gallego y el tratamiento que el cine español, representado por José Luis García Sánchez, ha hecho de su dramaturgia.

En estas jornadas intervendrán como conferenciantes el profesor de Historia del Cine Español Luis Navarrete, el director de teatro Pedro Álvarez-Ossorio y el guionista Bernardo Sánchez Salas, además de otros intervinientes que participarán en una mesa redonda titulada “El cine de José Luis García Sánchez: Viaje alrededor del esperpento cinematográfico”. En sesiones de mañana y tarde, se celebrará los días 2, 3 y 4 de noviembre. Tiene una duración de 20 horas lectivas y su valor académico son dos créditos de libre configuración.
La temática está orientada a analizar la expresión cinematográfica existente en la obra del escritor gallego y el tratamiento que el cine español, representado por José Luis García Sánchez, ha hecho de su dramaturgia.

VALLE INCLÁN Y EL CINE
Ramón María del Valle-Inclán, teorizante del cinema en la revista El bufón (1924) y actor en La malcasada (1926), de Francisco Gómez Hidalgo, declaraba a la revista Luz en (1933, 23 de noviembre): habrá que hacer un teatro sin relatos; ni únicos decorados; que siga el ejemplo del cine actual, que, sin palabras y sin tono, únicamente valiéndose del dinamismo y la variedad de imágenes, de escenarios, ha sabido triunfar en todo el mundo. El autor concibió, pues, la renovación del teatro, en crisis, aportándole la técnica y la estética del cinematógrafo, que asumió en la creación de sus obras.
Los investigadores de la obra narrativa y dramática del autor gallego han observado que en las primeras obras del escritor ya se daban resoluciones de acciones teatrales con técnica cinematográfica: movimientos, ambientación, acotaciones nos aproximan a los métodos usados por el entonces nuevo espectáculo. El propio dramaturgo ha indicado de dónde tomó la gesticulación de los esperpentos cuando define la acción de un personaje “con rabia de peliculero melodramático”.
Del mismo modo, la visión cinematográfica de Sonatas y Luces de bohemia ha sido analizada bajo la perspectiva de que son precisamente las artes plásticas, entre ellas el cine, “el gran introductor en la conciencia actual de este sentido de la discontinuidad, del azar, de lo fragmentario». Todos los aspavientos que se dan en los esperpentos remiten inmediatamente al cine primerizo por lo que las películas rancias...logran tangible corporeidad en las páginas del esperpento. Se ha dicho que Luces de Bohemia está traspasada de cine y que tales valores se encuentran también en Tirano Banderas. Y es que el vanguardismo de Valle Inclán tiene mucho de cinematográfico.
La paradoja de esta escritura preñada de rasgos cinematográficos radica en que su autor no ha tenido una filmografía acorde con sus planteamientos; la tardanza cronológica de la adaptación respecto de la publicación y los discutibles resultados en la pantalla, evidencian una cierta "intratabilidad" que los cineastas no han ocultado. La excepción a ello está representada en el cine español, en el cine mundial, por el cineasta José Luis García Sánchez. Tal “intratabilidad” en la pantalla ha sido vencida por este director, primero en Divinas palabras, posteriormente en Tirano Banderas y, a día de hoy, con tres magistrales versiones de la trilogía Martes de Carnaval en homólogos títulos como Las galas del difunto, Los cuernos de Don Friolera y La hija del capitán.

JOSÉ LUIS GARCÍA SANCHEZ Y LA OBRA DE VALLE INCLÁN
José Luis García Sánchez, realizador y guionista cinematográfico, nació en Salamanca. Licenciado en Derecho, jamás ejerció la profesión. Fue expulsado de la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC) por ser uno de los cabecillas que impulsaron las revueltas políticas acaecidas durante el franquismo en Mayo del 68. Sin embargo, por más que se empeñó, comenta ahora con humor, “durante su actividad antifranquista no pudo lograr que le metieran en la cárcel para codearse con muchas figuras de la cultura que habían dado con sus huesos en tan lúgubres lugares”.
Su primera película, "El love Feroz" (1975), es una fina y sutil crítica de los personajes que pululaban por España en aquellos difíciles años de transición política. García Sánchez y su película "Las Truchas" ganaron el Oso de Oro en el Festival de Berlín de 1978. Fue también biógrafo cinematográfico de la emblemática líder comunista Dolores Ibárruri "Pasionaria".
Sus primeros encuentros cinematográficos con Valle-Inclán en las adaptaciones de ‘Divinas Palabras’ y ‘Tirano Banderas se llevan un total de 9 premios Goya, así como otros dos premios principales en la 38ª edición de la Seminci de Valladolid. Con ‘Suspiros de España y Portugal’ representó al cine español en el XIX Festival des Films du Monde de Montreal. ‘Siempre hay un camino a la derecha’ sería el segundo título de una trilogía que se completaba con ‘Adiós con el corazón’, película que otorgó a su protagonista, Juan Luis Galiardo, el Goya al mejor actor. Más tarde llegarían ‘Tranvía a la Malvarrosa’, sobre una novela de Manuel Vicent; ‘La marcha verde’ y ‘Franky Banderas’, entre otras.
García Sánchez, como escritor, colaboró en el guión de la película de Gutiérrez Aragón ‘Habla mudita’ y, posteriormente, en el de ‘Belle Epoque’, de Fernando Trueba. También ha dirigido teatro: estrenó, mundialmente, ‘El beso de la mujer araña’, de Manuel Puig, que Héctor Babenco llevó a la pantalla con William Hurt, ganador de un Oscar. En 1998 recorrió España con ‘Las últimas lunas’ de Furio Bordas.
Su vinculación con Rafael Azcona comenzó en 1985 cuando realiza ‘La corte del Faraón’ y hasta la muerte del guionista han colaborado juntos en una docena de películas, desde ‘María querida’ (2004), hasta la trilogía valleinclanesca ‘Martes de Carnaval’ (2009), compuesta por ‘Los cuernos de Don Friolera’, ‘Las galas del difunto’ y ‘La hija del capitán’, producidas por TVE y Juan Gona. Con esta amplia y variada trayectoria no es de extrañar que García Sánchez admire a Valle-Inclán, considerándolo el dramaturgo clave del teatro español además de “el más cinematográfico”. Su más reciente título, pendiente de estreno, es la pieza literaria de Azcona ‘Los muertos no se tocan, nene’, película inaugural del SEFF’11.

AZCONA Y GARCIA SANCHEZ. PELICULA INAUGURAL DEL FESTIVAL DE SEVILLA

LOS MUERTOS NO SE TOCAN, NENE’, DE RAFAEL AZCONA Y JOSÉ LUIS GARCÍA SÁNCHEZ, PELÍCULA INAUGURAL DEL FESTIVAL DE SEVILLA

La película recupera la novela homónima del gran guionista español y consigue completar la trilogía iniciada en 1959, sumándose a ‘El cochecito’ y ‘El pisito’. Tras la muerte de su autor, el productor Juan Gona, David Trueba como guionista y el director José Luis García Sánchez le brindan este homenaje fílmico, que se estrenará en el Festival de Cine de Sevilla el próximo 4 de noviembre.

El Sevilla Festival de Cine Europeo abre sus puertas el próximo 4 de noviembre con el esperado estreno nacional de ‘Los muertos no se tocan, nene’, un homenaje fílmico al gran guionista y escritor español Rafael Azcona, que completa la trilogía iniciada en 1959 con ‘El pisito’ y continuada al año siguiente con ‘El cochecito’. El dibujante Antonio Mingote se suma a este tributo –rodado en blanco y negro- con la autoría del cartel, que retrata la realidad española de la década de los 50.
El cineasta italiano Marco Ferreri y el guionista y escritor español rodaron las películas ‘El Pisito’ y El Cochecito’, pero nunca consiguieron terminar la trilogía. Tras las muerte del autor el proyecto es retomado por el productor Juan Gona, José Luis García Sánchez y David Trueba, amigos de Azcona, que a modo de homenaje a uno de los mejores cineastas de nuestro país, terminan el guión iniciado previamente por Azcona, en colaboración con el dramaturgo riojano Bernardo Sánchez. "Si algún escritor realista merece ser visitado por el cine, ese es Rafael Azcona, el mejor literato que ha prestado su talento para hacer películas españolas. Es, por tanto, un acto de estricta justicia el llevar este proyecto adelante. Y, además de justo con el genial novelista, es oportuno para recrear una época tan desconocida como es el final de los años cincuenta. Será maravilloso poder volver a ver cómo funcionaban los molinillos del café, el cigarrillo de petaca, la cocina de astillas, los primeros televisores, las radios del ojo mágico, el sifón encima de la mesa camilla...", asegura García Sánchez.

BLANCO Y NEGRO

‘Los muertos no se tocan, nene’ es la historia de Fabianito, un joven niño logroñés cuyo descubrimiento del amor tiene lugar durante el velatorio de su bisabuelo. Una comedia basada en el humor absurdo y que García Sánchez ha querido filmar siguiendo los mismos criterios de planificación e imagen de los dos míticos títulos del dúo Ferreri-Azcona. Así, la película retornará al blanco y negro, el sonido será doblado a posteriori como se hacía antaño y la planificación buscará emular los largos planos-secuencia en los que se entremezclaban cientos de historias paralelas, a cual más disparatada.
Para llevar el peso de este cruce de historias hilarantes, el director ha contado con un extenso reparto que incluye nombres que nos acercan inevitablemente a la comedia como Álex Angulo, Mariola Fuentes o Carlos Iglesias; Silvia
Marsó, María Galiana y Carlos Álvarez-Novoa; y recupera algunos nombres históricos del cine y el teatro como Tina Sainz, Fernando Chinarro, Juan
Polanco, Roberto Bodegas o Carlos Larrañaga. Los rostros jóvenes serán los de Blanca Romero y Javier Godino, y el reparto se completa con los niños Teo Planell y Priscila Delgado, junto a un adolescente Fabianito, verdadero protagonista de la película, que será encarnado por el televisivo Airas Bispo ‘Amar en tiempos revueltos’).
Según el biógrafo y amigo de Azcona, el dramaturgo riojano Bernardo Sánchez, Fabianito, ese personaje del niño adolescente es, de alguna manera, un autorretrato del propio autor. Se da la circunstancia de que algunas de las secuencias principales del personaje se rodaron, precisamente en Logroño, su ciudad natal, cuando se cumple el tercer aniversario del fallecimiento del genial guionista.

ALFOMBRA ROJA. Festival de San Sebastian

Las fiestas del cine se hacen sobre alfombra roja, para que luzcan mas  las estrellas,  la cara amable y vendedora de una industria que al otro lado de la cámara vive mas del esfuerzo que del glamour. Sirve tambien esta pasarela, que ahora despliega el festival de San Sebastián, para dejar claro que el cine es de carne y hueso. Sueños que tardan en construirse años- desde el guión hasta encontrar el dinero, rodar y sacar finalmente la copia – y que necesitan de gente inteligente y esforzada como es la del cine.  La alfombra marca una línea delicada en la percepción de los públicos. Glamour, si. Pero esfuerzo y duro trabajo, tambien. San Sebastián tiene ya una larga historia que combina ambos aspectos, retratada con esmero y profundidad por  Diego Galán en una serie, para abarcar todo lo que se ha visto junto a la Concha. Recuerdo con gusto mi entrada en este mundo, justo cuando el festival alcanza su mayoría de edad. Fue el año de Victor Erice, que entraba en la sala de prensa con su artículo escrito a mano y deslumbró con El espíritu de la colmena. Corría el año 73 y el glamour se notaba mas en una España todavía en blanco y negro, en la que los reporteros de televisión rodaban en cine las entradas de las estrellas al Victoria Eugenia. Orson Welles presentó su peculiar documental Fake, y Peter Bogdanovich daba una gran  lección de cine con Luna de papel. Arte, espectáculo e industria se siguen dando la mano en este escaparate fundamental para que las películas empiecen a degustarse, tener un nombre, y conseguir un valor. El reguero de noticias que generan a través de los medios cuando llegan a un festival es la clave para su comprensión por el publico, que es al que van destinadas finalmente. Desde el Echarri de aquellos tiempos al nuevo director, Rebordinos, San Sebastián ha mantenido a flote este gran escaparate del cine, que lo es a la vez de su ciudad. Pantalla sobre un escenario de ensueño, que bajo la etiqueta de un festival hace que cada vez amemos mas al cine y a la ciudad que nos lo enseña, vestida de gala y alfombra roja para la ocasión

BARCELO. el ultimo toro de Barcelona....

Cartel de Miquel Barceló para la última corrida en la Monumental de Barcelona.
OLE

THE ARTIST y THE TORINO HORSE, en el FESTIVAL DE SEVILLA

                                                                     ‘THE ARTIST’ Y ‘THE TURIN HORSE’ ENCABENZAN LAS PELÍCULAS DE LA SECCIÓN EFA DEL FESTIVAL DE SEVILLA

‘The artist’, de Michel Hazanivizius, y ‘The Torino horse’, de Béla Tarr, ambas rodadas en blanco y negro, encabezan la lista de películas que ofrecerá el Sevilla Festival de Cine Europeo dentro de sus selección de títulos que optan a la nominación de los premios de la EFA, Academia Europea del Cine, anunciada esta semana. El SEFF’11, que se celebra del 4 al 11 de noviembre, acogerá un año más el acto de anuncio de los finalistas a estos premios en el transcurso de una gala el 5 de noviembre.

 ‘The artist’, la película muda que conquistó la pasada edición del Festival de Cine de Cannes; y ‘The turin horse’, la última propuesta del realizador húngaro Béla Tarr –homenajeado en la edición del SEFF de 2005- protagonizan el listado de películas seleccionadas por el Sevilla Festival de Cine Europeo para la sección EFA (Academia del Cine Europeo), que esta misma semana ha anunciado las 45 películas que componen la selección de este año. Sobre este listado, los miembros de esta institución elegirán las definitivas nominaciones en un acto que tendrá lugar, como ya es tradición, el sábado 5 de noviembre, en el marco del Festival de Cine de Sevilla.

Desde su estreno, ‘The artist’ se ha convertido en la película favorita para la crítica europea, que no duda de que su cuidada estética cautive, igualmente, a los académicos de Hollywood. La película es una propuesta singular rodada en blanco y negro y sin diálogos, y narra el ocaso de una estrella del cine mudo ante la aparición del sonoro. Los protagonistas son Jean Dujardin (Lucky Luke), la argentina Bérénice Bejo y los norteamericanos John Goodman, James Cromwell y Penelope Ann Miller (Atrapado por su pasado), actriz finalmente recuperada para el cine.  

En palabras de su director, el francés Michel Hazanivizius, ‘The artist’ es una película “emocional, sensorial; al no tener que ir a través de los textos te devuelve a una forma básica de contar una historia que sólo funciona sobre los sentimientos que has creado. Ha sido una forma fascinante de trabajar”, señala el cineasta, para quien en ‘The artist’ “hay ecos de Douglas Fairbanks, Gloria Swanson, Joan Crawford y los más lejanos de la historia de Greta Garbo y John Gilbert”.

‘THE TURIN HORSE’

Por su parte, ‘The Turin horse’ es la última apuesta del cineasta húngaro Béla Tarr, también rodada en blanco y negro y cuyo rodaje fue un tortuoso viaje iniciado en 2008, amenazado por todo tipo de inclemencias meteorológicas. Erika Bók, János Derzsi y Mihály Kormos encabezan el reparto de este largometraje coescrito por Tarr junto al novelista László Krasznahorkai. Aún así, ‘The Turin horse’ parte de un argumento sencillo: la quebradiza salud de un viejo caballo que pertenece a un granjero y su hija compromete el porvenir de su trabajo y su vida.

A este respecto, el origen de la película reside en una insólita anécdota protagonizada por Friedrich Nietzsche en Turín el 3 de Enero de 1889. Los últimos años de vida del gran pensador alemán estuvieron amenazados por la demencia mental, y es en esa etapa donde se enmarca el célebre episodio de su abrazo a un caballo en plena vía pública, cuando éste era azotado a latigazos por el cochero, al que poco le importaba que el animal no pudiera seguir arrastrando la excesiva carga que se dice llevaba. Nietzsche se abrazó al caballo y no lo quería soltar bajo ninguna circunstancia. Llegó a pedirle disculpas en nombre de la humanidad por la brutalidad humana, mientras la policía acudía a solucionar el asunto. Posiblemente, "The Turin horse" no sea sino la particular historia de aquel caballo cuyo destino desconocemos.

“Ambas películas están rodadas en un impecable blanco y negro, y han sido

consideradas en el circuito como dos obras maestras contemporáneas, que

ningún amante del cine se puede perder”, ha comentado el director artístico

del festival Javier Martín-Domínguez .

Las películas pronominadas incluidas en esta sección optan al premio del

Público, que se decidirá mediante el voto de los asistentes a las proyecciones.

NOMINACIONES A LA EFA

Entre las películas pre-nomindas  este año por EFA (Academia Europea del Cine) se encuentran varios títulos de los ya ofrecidos por el festival de Sevilla el pasado año en su sección oficial, como es el caso de la danesa ‘En un mundo mejor’. de Susanne Bier, que obtuvo el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa en su pasada edición.

YO SOY NY

Cuando en los setenta Nueva York naufragaba entre la falta de dinero y de creatividad, aparecieron dos soluciones para conjurar sus problemas. Ambas se convirtieron en símbolo de una ciudad renovada que retomaría el pulso como capital del mundo. Al sur de Manhattan se inauguraron las Torres Gemelas, que iluminadas 24 horas parecían un faro salvador. No solo revitalizaron Wall Street, sino toda la zona sur con Soho, Tribeca y Chinatown sintiendo su influjo benéfico. Eran símbolo y realidad de un nuevo tiempo. A la vez, y gracias al gurú de la comunicación Milton Fraser, la ciudad adoptó un logo que ha sido el más repetido e influyente del arte gráfico del último siglo. Un corazón rojo, colocado entre Yo y NY, le devolvía el amor de todos por la urbe. Solo la herida de muerte causada por los aviones incrustados en las torres quebró la imagen de la ciudad y hasta su logo. La utilización machacona de 11S ó 9/11 nubló al símbolo del NY. Un corazón herido, que una década después ha sabido revitalizarse gracias al tesón de esa ciudad en la que todos son bienvenidos y que solo es vulnerable por ser libre y abierta. El restaurante que abrió en la cima de las Torres se llamaba Ventanas del Mundo/ Windows of the World y tenía vistas a los cuatro puntos cardinales. Llevabas allí a tus visitantes y les elevabas al éxtasis. Recuerdo a una amiga remangando sus vaqueros para ocultarlos bajo la gabardina, porque aun no eran carne de diseño y el restaurante no permitía ese atuendo. Mejor un recuerdo simpático que una rememoración de destrucción y muerte. El blanco y negro se ha impuesto en los especiales televisivos, como el bello poema viviente que le ha dedicado 'En portada'. Pero el logo rojo de Fraser es el que debe pervivir. Quizá reformulado,. Del 'Yo amo NY' al más intenso de 'Yo soy NY'. Nueva York somos todos, en su sufrimiento y en su recuperación como capital de nuestro tiempo. ¿Por quién doblan las campanas?, preguntaba John Donne en su poema. «Lloran por ti, que no eres una isla en ti mismo.», sino parte del mundo libre. Un nuevo logo de todo corazón: Yo soy NY.

PREMIOS EUROPEOS DEL CINE. FEST de SEVILLA anunciará los finalistas

Almodóvar, De la Iglesia, Villaronga y Bollain competirán por la mejor película europea

Los finalistas se conocerán el 5 de noviembre, en el Festival de Cine de Sevilla, y la entrega de los galardones será el 3 de diciembre en Berlín

Las producciones españolas La piel que habito, de Pedro Almodóvar; Pa negre, de Agustí Villaronga; También la lluvia, de Iciar Bollain, y Balada triste de trompeta, de Álex de la Iglesia, han sido seleccionadas hoy entre las 45 películas que optarán al mejor film europeo de 2011. La Academia del Cine ha comunicado que estos cuatro títulos están en la lista que votarán sus 2.500 miembros. Los finalistas se sabrán el 5 de noviembre, en el Festival de Cine de Sevilla, y la entrega de los galardones se celebrará el 3 de diciembre en Berlín, en la sede la academia.

Entre las elegidas están también la portuguesa-española América, de Joao Nuno Pinto; las francesas Le gamin au vélo, de Jean-Pierre y Luc Dardenne, y Les petit mouchoirs, de Guillaume Canet; la italiana Habemus Papam, de Nanni Moretti; la británica Neds, de Peter Mullan, y la alemana Drei, de Tom Tykwer.

Además de los nominados a los premios oficiales, se han dado a conocer los seleccionados al galardón del público, entre los que se encuentran el filme de Bollain y Unknown de Jaume Collet-Serra.

La Academia del Cine Europeo se fundó en los años ochenta por quien continúa como su director, Wim Wenders, y otros cineastas europeos, como alternativa a los Oscar de Hollywood. En anteriores ediciones y siguiendo una tradición rotatorio, la gala viajó a Barcelona, París, Roma, Varsovia, Londres, Bochum y Tallin.

ELOGIO de NUEVA YORK. Vida entre las Torres.

Para los que hemos aprendido a vivir en libertad en un lugar de sueños llamado New York, el ataque al World Trade Center fue una afrenta imposible de perdonar. Un magnicidio de ciudadanos comunes, un derribo simbólico de la libertad.
Cada noche, durante años, veía al volver a casa, desde la esquina de la Séptima avenida y la Calle Diez las dos columnas de luz que marcaban el punto sur de Manhattan. La ciudad vertical estaba viva y la horizontal tenía un horizonte.
Viajabamos en bicicleta por la West Side Highway- una autopista elevada en la zona oeste, inutilizada para los coches  que corría en paralelo al Hudson --para llegar hasta la meta de las Torres y regresar pedaleando de vuelta al Village de nuevo. Aires de libertad.
Llevaba a los visitantes mas queridos- padres incluidos -a cenar al restaurante del último piso de  las Torres, Windows of the World, con sus dos tramos de ascensores para llegar a la cumbre, y la prohibición en la etiqueta de vestir vaqueros. Comida exquisita, servicio elegante y vistas por los cuatro costados para sentir el éxtasis de la megalópolis, desde el Puente de Brooklyn a la Estatua de la libertad, desde el pico del Empire State  a la inmensidad de New Jersey.
Me encantaba tener que ir al WTC a hacer gestiones de oficina, y me encantaban sus jardines aledaños del Battery Park.
Del escombro sacado para levantar las Torres se creo nuevo suelo en la ribera del Hudson y alli estuvimos en el concierrto contra las nucleares el  “No more nukes" que siguió al accidente de Three Mile Island.
Con los años los amigos se mudaron a los nuevos pisos a la sombra de las Torres, donde la vida era fácil y de mayor calidad. El SoHo y Tribeca se prolongaban mas allá. Manhattan crecía junto a las dos paralelas que apuntaban al cielo como ultimo sueño.
Paralelas y perpendiculares de Manhattan que enmarcan tu vida para aprender a salirte de la linea y ser original, libre y feliz.  Las Torres eran un faro para tu particular navegación del mundo físico de NYC y de tu propio mundo interior. Los habitantes de Manhattan son la sangre de estos edificios, altos y bajos, siempre bellos, del skyline, que hicieron de NY en el siglo XX la meta de los paraísos urbanos.
Solo los locos no entienden este mapa de los sueños y acaban por romperlo; porque ni lo supieron crear, ni vivirlo, ni comprenderlo. NY es la libertad, y los malvados de este mundo no lo pueden soportar.

P.S. Paseé con Magín Revillo por la Zona Cero dias despues del desastre. El olor provocaba nausea y sentías un malestar psicológico. Habíamos conseguido la proeza de comer en Nobu, donde nunca se encontraba mesa libre, y nos aventuramos en un paseo nocturno desde Tribeca  hacia el sur. Ni la buena cocina consiguió embargar la pena. Un cementerio tecnológico se desplegaba ante nuestros ojos, y solo la oscuridad mermaba aquel catálogo de horrores. Te sentías mermado, privado de algo tuyo, nuestro.

NEW YORK, 4 EVER

NEW YORK, FOR EVER

NEW YORK, FOR EVER. UN NUEVO RESPLANDOR EN EL SUR DE MANHATTAN

MINGOTE HACE EL CARTEL DE LA ULTIMA DE AZCONA.

MINGONTE CREA EL CARTEL PARA LA PELICULA DE AZCONA.

“LOS MUERTOS NO SE TOCAN NENE” se estrenará en el Festival de Sevilla

El cineasta italiano Marco Ferreri y el guionista y escritor español rodaron las películas 'El Pisito' y 'El Cochecito', pero nunca consiguieron terminar la trilogía. Tras las muerte del autor el proyecto es retomado por el productor Juan Gona, José Luis García Sánchez y David Trueba, amigos de Rafael, que a modo de homenaje a uno de los mejores cineastas de nuestro país, terminan el guión iniciado previamente por Azcona, en colaboración con el dramaturgo riojano Bernardo Sánchez. Ahora, el genial dibujante Antonio Mingote, gran amigo de Rafael desde su llegada a Madrid, se suma a este homenaje fílmico que llegará a las pantallas de toda España en noviembre. Mingote, quien ya realizara en su día el dibujo para la portada de la novela, ha querido estar presente en la iniciativa: 'Yo no soy cartelista, soy ilustrador, pero este cartel lo he hecho con todo el amor del mundo por el recuerdo de Rafael... Cuando una cosa se cuenta bien, se hace creíble, por rara y estrafalaria que sea... eso hacía Rafael. Él era uno de los grandes talentos de la literatura española. Un gran literato', resalta Mingote mientras colorea la ilustración. Y es que para el dibujante 'La inspiración ha sido él. Sus gracias sus novelas... todos los personajes son alter egos de Rafael... el muerto, el niño, la señora... todo es Rafael'.

El humor es clave en esta película que García Sánchez ha querido filmar siguiendo los mismos criterios de planificación e imagen de los dos míticos títulos del dúo Ferreri-Azcona. Así, la película retornará al blanco y negro, el sonido será doblado a posteriori como se hacía antaño y la planificación buscará emular los largos planos-secuencia en los que se entremezclaban cientos de historias paralelas, a cual más disparatada...

Para llevar el peso de este cruce de historias estrafalarias, el director ha contado con un extenso reparto que incluye nombres que nos acercan inevitablemente a la comedia como Alex Angulo, Mariola Fuentes, Carlos Iglesias, Silvia Marsó, María Galiana o Carlos Alvarez Novoa y recupera algunos nombres históricos del cine y el teatro como Tina Sainz, Fernando Chinarro, Juan Polanco, Roberto Bodegas o Carlos Larrañaga. La nota joven vendrá de la mano de Blanca Romero y Javier Godino y el reparto se completa con los niños Teo Planell y Priscila Delgado, junto a un adolescente 'Fabianito', verdadero protagonista de la película, que será encarnado por el televisivo Airas Bispo.

Probablemente y según el biógrafo y amigo de Azcona, el dramaturgo riojano Bernardo Sánchez, Fabianito, ese personaje del niño adolescente es, de alguna manera, un autorretrato del propio autor... Se da la circunstancia de que algunas de las secuencias principales del personaje se rodaron, precisamente en Logroño, su ciudad natal, cuando se cumple el tercer aniversario del fallecimiento del genial guionista.

El productor Juan Gona logra poner en pie este homenaje fílmico contando con la colaboración del Gobierno de La Rioja y el Ayuntamiento de Logroño (ciudad natal de Azcona) y del Principado de Asturias, (los estudios de Gona que albergaron el rodaje de interiores se situan en Argame-Morcín). Por su parte, TVE se incorpora a la película, apoyando así este proyecto cultural que trasladará al espectador a una época clave en la historia de nuestro cine.

Sinopsis
En el Logroño de finales de los cincuenta, el joven Fabianito de catorce años, asiste sorprendido a la organización del velatorio de su bisabuelo, ilustre ciudadano logroñés. Fabianito descubre el amor en este inoportuno momento, mientras la familia espera impaciente la llegada del alcalde. Los acontecimientos y las visitas se suceden de una forma incontrolable para la familia, visitas que generan las situaciones más cómicas e inesperadas.

MINGOTE HACE EL CARTAL DE LA ULTIMA DE AZCONA.

MINGONTE CREA EL CARTEL PARA LA PELICULA DE AZCONA.

“LOS MUERTOS NO SE TOCAN NENE” se estrenará en el Festival de Sevilla

El cineasta italiano Marco Ferreri y el guionista y escritor español rodaron las películas 'El Pisito' y 'El Cochecito', pero nunca consiguieron terminar la trilogía. Tras las muerte del autor el proyecto es retomado por el productor Juan Gona, José Luis García Sánchez y David Trueba, amigos de Rafael, que a modo de homenaje a uno de los mejores cineastas de nuestro país, terminan el guión iniciado previamente por Azcona, en colaboración con el dramaturgo riojano Bernardo Sánchez. Ahora, el genial dibujante Antonio Mingote, gran amigo de Rafael desde su llegada a Madrid, se suma a este homenaje fílmico que llegará a las pantallas de toda España en noviembre. Mingote, quien ya realizara en su día el dibujo para la portada de la novela, ha querido estar presente en la iniciativa: 'Yo no soy cartelista, soy ilustrador, pero este cartel lo he hecho con todo el amor del mundo por el recuerdo de Rafael... Cuando una cosa se cuenta bien, se hace creíble, por rara y estrafalaria que sea... eso hacía Rafael. Él era uno de los grandes talentos de la literatura española. Un gran literato', resalta Mingote mientras colorea la ilustración. Y es que para el dibujante 'La inspiración ha sido él. Sus gracias sus novelas... todos los personajes son alter egos de Rafael... el muerto, el niño, la señora... todo es Rafael'.

El humor es clave en esta película que García Sánchez ha querido filmar siguiendo los mismos criterios de planificación e imagen de los dos míticos títulos del dúo Ferreri-Azcona. Así, la película retornará al blanco y negro, el sonido será doblado a posteriori como se hacía antaño y la planificación buscará emular los largos planos-secuencia en los que se entremezclaban cientos de historias paralelas, a cual más disparatada...

Para llevar el peso de este cruce de historias estrafalarias, el director ha contado con un extenso reparto que incluye nombres que nos acercan inevitablemente a la comedia como Alex Angulo, Mariola Fuentes, Carlos Iglesias, Silvia Marsó, María Galiana o Carlos Alvarez Novoa y recupera algunos nombres históricos del cine y el teatro como Tina Sainz, Fernando Chinarro, Juan Polanco, Roberto Bodegas o Carlos Larrañaga. La nota joven vendrá de la mano de Blanca Romero y Javier Godino y el reparto se completa con los niños Teo Planell y Priscila Delgado, junto a un adolescente 'Fabianito', verdadero protagonista de la película, que será encarnado por el televisivo Airas Bispo.

Probablemente y según el biógrafo y amigo de Azcona, el dramaturgo riojano Bernardo Sánchez, Fabianito, ese personaje del niño adolescente es, de alguna manera, un autorretrato del propio autor... Se da la circunstancia de que algunas de las secuencias principales del personaje se rodaron, precisamente en Logroño, su ciudad natal, cuando se cumple el tercer aniversario del fallecimiento del genial guionista.

El productor Juan Gona logra poner en pie este homenaje fílmico contando con la colaboración del Gobierno de La Rioja y el Ayuntamiento de Logroño (ciudad natal de Azcona) y del Principado de Asturias, (los estudios de Gona que albergaron el rodaje de interiores se situan en Argame-Morcín). Por su parte, TVE se incorpora a la película, apoyando así este proyecto cultural que trasladará al espectador a una época clave en la historia de nuestro cine.

Sinopsis
En el Logroño de finales de los cincuenta, el joven Fabianito de catorce años, asiste sorprendido a la organización del velatorio de su bisabuelo, ilustre ciudadano logroñés. Fabianito descubre el amor en este inoportuno momento, mientras la familia espera impaciente la llegada del alcalde. Los acontecimientos y las visitas se suceden de una forma incontrolable para la familia, visitas que generan las situaciones más cómicas e inesperadas.

CAMBIO DE PIEL. ALMODOVAR Y LO ESPAÑOL

El cine español suele resumirse en la película de Almodóvar, y las demás (con permiso de Torrente). No solo por su habitual record de recaudación y repercusión internacional, sino especialmente por su capacidad para inundarlo todo con cada nuevo  titulo, y por conseguir estar en una peculiar sintonía con “lo telúrico” del país.  En una campaña perfectamente orquestada desde hace meses, que ha tenido su colofón esta semana, Almodóvar conseguía incluso eclipsar un debate histórico como el de la reforma constitucional. Ha llenado mas páginas de periódico  y mas minutos de televisión con “La piel que habito”, que los diputados con sus disquisiciones sobre la reforma. Pero, pensando-pensando, quizá estábamos asistiendo a dos lecturas de la misma cosa. Almodóvar ha creado una película de terror psicológico para esta época de crisis monumental que nos tiene aterrorizados a todos. Un guión que, mas allá del superficial tema en boga de la aplicación del bisturí en la cirugía estética, se convierte,  en metáfora del cambio en nuestra piel de toro. ¿Y no es la Constitución la piel en la que habita la voluble España?. Almodóvar, desde su primer titulo con “las chicas del montón”,  siempre ha sido un iluminado para crear la película de la España del momento. Estuvimos, como él,  “al borde del ataque de nervios” o bajo “la ley del deseo” o en medio de un “laberinto de pasiones”. Siempre con una visión que ronda la metáfora de la España que nos toca vivir. Lo mismo hacían nuestros anteriores grandes del cine, los Azcona o Berlanga, poniendo la cámara en el sitio exacto como el que mete el dedo en la llaga. ¿Quien no ve El pisito o El verdugo como las mejores “ficciones documentadas” de estos cineastas sobre  la verdad de España?. Con todas las licencias que se da el articulista para arrimar el ascua a esta sardina, me quedo con la idea de que Almodóvar, como los grandes del arte, tiene iluminaciones de ”adelantado”. Huele lo que viene, y lo hace cine,  para colocarnos a todos nosotros ante la pantalla de nuestra realidad futura: Un cambio de piel.

YASMINA REZA, de SEVILLA a VENECIA

                                                   Yasmina Reza en Sevilla, con Carmen Maura

La altura dramática y los certeros dialogos de Yasmina Reza han impresionado en Venecia en la presentación de la adaptacion por Roman Polansky al cine de su obra teatral Carnage.
Yasmina Reza presentó en la última edición del Festival de cine de Sevilla su primera incursión en el cine como directora, la película "Chicas", protagonizada por Carmen Maura y la esposa de Polansky, Enmanuel Seigner.

SON OF BABYLON. Estreno de la ganadora del Festival de Sevila

El director Mohamed Al Daradji en el Festival de Sevilla.

                                                    ESTRENO DE SON OF BABYLON,
                                                GANADORA DE LA ULTIMA EDICION DEL
                                                    FESTIVAL DE CINE DE SEVILLA

Candidata a Mejor Película de habla no Inglesa por Irak a los Oscar 2011 y ganadora de numerosos premios en los festivales internacionales en los que ha participado, SON OF BABYLON tiene previsto su estreno el próximo 28 de octubre.

Mohamed Al Daradji dirige esta road movie ambientada en la guerra de Irak, “la idea de SON OF BABYLON viene de unir dos generaciones, la mayor macerada en sufrimiento, la joven llevando esperanza de futuro”, comenta el realizador. La película ha participado en la sección oficial de numerosos festivales internacionales como Sundance, Berlín, Seattle, El Cairo o Karlovy Vary, entre otros, cosechando importantes premios en prácticamente todos ellos. Asimismo ha participado en la pasada edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla, donde se alzó con el Giraldillo de Oro a la Mejor Película y del Premio del Jurado Campus. Sinopsis Ahmed, un niño kurdo de 12 años, recorre las carreteras del norte de Irak con su abuela. Ambos buscan al padre del niño, un soldado arrestado por la Guardia Republicana de Saddam al final de la Guerra del Golfo. En su búsqueda  se cruzan con otras personas en la misma situación; todos viajan en busca de alguien, de una nueva vida y de un futuro.  “Marca un poderoso debut internacional para su  joven director Mohamed A-Daradji”  The Times **** “Impresionante y conmovedora” The Sunday Times  “Afectuoso, humano y discretamente devastador”  Timeout “Sensitiva, estoica, película compasiva, con un delicado sentimiento hacia el detalle del día a día en esta tierra devastada” The Observer “Visualmente deslumbrante, políticamente concienzuda.... la producción es de primera calidad”   Variety “Verdadera fuerza emocional .... Crudas emociones que los actores transmiten” Hollywood Reporter  “A veces una película merece respeto. A veces, la única respuesta justificada es la de arrodillarse. Ésta es uno de esas películas”  Little White Lies A Contracorriente Films estrenará SON OF BABYLON el 28 de octubre. Más información y materiales en www.image.net