FROM 10th STREET.

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DIARIO - VISUAL - JOURNAL

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25.3.17

INCIERTA GLORIA






Devoto de Agustí Villaronga y desconocedor de la grandeza literaria de Joan Sales,  decidí ver INCIERTA GLORIA con disposición para ser sorprendido y ganado para su causa. Pero los logros del rodaje y de la dimensión mistificadora del guión no aúpan la película a un lugar destacado en el muestrario del cine guerracivilista. La obra naufraga en el terreno pantanoso del melodrama, pesando mas las claves del novelón decimononico que la fuerza del revisionismo bélico español. Tampoco en ese campo hay aportación alguna, refugiándose en tópicos mas que manidos. A veces una halo mágico parece querer insuflar aire a esta historia rodada con esmero, pero el souflé nunca sube del todo y se desinfla mas alla de la profesionalidad en la dirección y ciertas aportaciones actorales de Nuria Prims y Orial Pla, pero sobre todo de Luisa Gavasa. Esperábamos mas y nos topamos con una cierta derrota. Quiza sufra la película del dilema entre la gran dimensión y la profundidad de las historias personales que no se resuelve finalmente a favor de ninguna. Los grandes recursos realmente ambientan un cierto vacío.

15.3.17

MACUA Y EL CINE DE COMUNICACION XXI



LOS MECANISMO COMUNICATIVOS DEL CINE DE TODOS LOS DIAS es el libro de Javier Macua y el colectivo Marta Hernandez que recoge las “criticas estructurales” que hacia 1975-76 publicaron en la revista COMUNICACION XXI, una pionera en estos y otros estudios que tuve el honor de vivir como jefe de redacción, junto a Jose Antonio Martín.


 


Ayer se presentó en la Filmoteca una compilación de aquellos trabajos “pioneros y singulares” realizada por el profesor Asier….. para la editorial, junto con otro libro de linea similar firmado por santos Zunzunegui.
La distancia ya no es olvido, sino lo contrario, un reconocimiento del  importante y singular  trabajo realizado en el campo del análisis cinematográfico, y yo diría de la comunicación de masas y la semítica por extensión, a traves de aquella revista tan bonita como importante en su dia.

Junto a Macua y el colectivo, escribían también de cine Roman Gubern o Domenec Font, Vazquez Montalban, Miquel de Moragas Aurelio Orensanz, Miguel Angel Aguilar, Pedro Sempere o Antonio caro.

Jose Antonio Martin fue el emprendedor que pasó de la publicidad y los controles de audiencia a fomentar la colaboración de los mejores en los incipientes estudios sobre medios para ahormar una revista bellamente maqueada por Alberto Corazon y posteriormente por el Grupo Barro y Javier Romero.
Ayer lo celebramos en la Filomoteca, con macha y con Jose Antonio, con otros lectores de entonces y con profesores que la descubren hoy. Que siga viva.

Comunicación XXI fue pionera en muchos sentidos. Nuestro Wired de los 70. Su huella queda ahí fuerte e importante, como bien muestra este libro recopilatorio sobre una forma inédita  y singular de hacer critica de cine.

14.3.17

LOS "GLORIOSOS DEFECTOS" DE RIBALTA




Ribalta nos reunió a un grupo de compañeros y amigos, Joaquin Diaz, Paco Ortega , Rafael Fraguas y yo mismo para presentar en Madrid su Cants and Encants, bellísimo disco, en el que el Ribalta de siembre quizá sea mas dulce que nunca.
Esta fue mi intervención:


"Como de un amigo todos contamos las cosas buenas, yo creo que lo propio sería que alguien- yo mismo –saque a relucir sus defectos. Quizás yo les amplifique, porque yo conozco sobre todo  al Ribalta Mundial, al que de verdad se ha pateado los caminos, desde Paris a  Nueva York, donde nos hemos ido tropezando el uno en el otro, siempre con la música y la poesía como argumentos de vida.
Pero vamos al asunto:  a los defectos de Ribalta:
-       Ribalta es un testarudo. Un cabezota que diría un castizo. Si se empeña en algo, lo hace. No se le pone nada por medio. Ni un océano le para. Llegó a Nueva York, supo que allí estaban las Naciones Unidas, y no paro hasta cantar allí, para el mundo entero. Un concierto memorable, por cierto.
-       Ribalta es un absoluto perfeccionista. Hasta extremos indecibles, Que lo digan sus músicos, o los poetas a los que música a los que les da la brasa hasta el limite, porque hay que conseguir la absoluta concordancia entre el fondo del texto y su arreglo musical. Por eso sus discos rayan en la perfección y sus conciertos son hondos y medidos.
-       Ribalta dice las cosas a las claras. En estos tiempos de gente meliflua y verdades a medias, el señor Ribalta tiene el gran defecto de “cantar las verdades”. Unos dirán que está loco, otros que es un hombre cabal.
-       Hay mas. Ribalta es un enfermo de la amistad. Es amigo de sus amigos. Le conozco desde hace casi cuarenta años y no consigo despegarme de él….ni yo, ni nadie que le conozca, porque a pesar de ser tan alto, tan grande  es realmente como un pequeño osito entrañable, que entre gruñido y gruñido se hace querer mas. Y si todavía te resistes, se pone la gorra de capitán y te da un paseo por la ría hasta que sucumbes.

Yo efectivamente conocí a Ribalta de juglar por el mundo. En medio del acelerón de modernidad que traían los años ochenta, Xabier Ribalta apareció en los Estados Unidos, con la guitarra al hombro y su voz de tenor. Hablaba y hablaba de poesía, de sus poetas catalanes tan queridos. Y nos los cantaba o nos ponía un disco de aquellos a 33 revoluciones. La suya parecía una causa perdida: poesía musicada en las tierras de Michael Jackson y Cindi Lauper. Música sin efectos, cánticos a capela.
En aquellos tiempos, como en estos, Ribalta tenía muy clara su misión, su voz y su música. Y los públicos que lo necesitaban, que lo esperaban,  también lo tenían caro.
Por eso terminó recorriendo América, la del Norte y la del Sur, de costa a costa, de local en local, de universidad en universidad.
Y de paso- para contar algún secreto –tambien caía entre canto y canto una langosta de Maine, en el restaurante del gallego Frank en la primera avenida. Donde también compartimos cartel con Alberti, cuando la prohibición de entrada a los comunistas dejo de aparecer en los papeleos del visado…. Aunque quiza haya vuelto otra vez, que aquella América de la libertad nos la están cambiando.


Gracias a un hombre constante y testarudo, aquí estamos hoy fieles a su música y lo que es mas importante, o quizá sea lo mismo, fieles  a su amistad. Hemos hecho buenas migas en el viaje por América o en el París de su aventura iniciática. Y siempre, con él,  la poesía catalana, la música francesa, el manjar asturiano, la amistad americana. Xabier  es tan grande, que abarca el mundo entero. Para acabar solo le pido- además de seguir cantando -, que insista en sus “gloriosos defectos”.

12.3.17

XAVIER RIBALTA, CANTS i ENCANTS






Contempla el guerrero el final de la batalla, y en lugar de recordar pasajes heroicos, momentos de empuje o timbres de gloria, lo que viene a su mente es el placer del tiempo de la felicidad, cuando el murmullo del aire se hace música solo con oírlo.

La voz de trueno hecha de terciopelo, la voz de Xavier Ribalta entonaba himnos épicos, cargados de intención ("No pasasrem, y si passeu…”) que llenaban la atmósfera de vitalidad y ganas de comer futuro. Y tantos años mas tarde- los que medimos en amistad y buenas historias -regresa una vez mas con el don de su voz para todos, y nos regala un tiempo aterciopelado, el de la madurez, envuelto en olas de miel.

Medio siglo, cincuenta años lleva Xavier haciendo de juglar por el mundo entero, siempre “fidel a la lengua dels meus pares”, y siempre aventando poesía con las notas adecuadas.

Con tantos mares recorridos, nuestro juglar siempre hombre de mundo, se ha hecho mas sabio todavía. Sabe que solo el cariño y la amistad curan al mundo, y ha encontrado en los versos de  Josep Piera y la música de Ramon Andreu la formula de comunicarlo, “entre la luz y la sombra de que están hechos los hombres”.

Como si un verso le cerrase el circulo de sus pensamientos, nos dice ahora que “con canto de estilo ahora canto, como cantaba el pueblo antes. Canto las penas amargas, porque así se me vuelven dulces. Y es que cantando, yo me encanto”.

Y nosotros con ellos, con el poeta, con el músico y con el cantante. Nos encantamos con su canto, que es el mas hondo, el del pueblo de siempre, el del corazón y la memoria.
Esta voz de trueno envuelta en terciopelo nos persigue por años y años, y nos suena cada mas plena y mas dulce. Viene de lejos, y nos llevara mas lejos aún.  Con el canto y el encanto.

2.3.17

NUEVAS DISTINGUIDAS DE LA RIBOT. Danzas caníbales


danzas caníbales.
 para este inicio tan visceral del milenio

Es tal la naturalidad y el desparpajo con el que va por la vida, y son tan claras y potentes las propuestas que lanza, que Maria La Ribot necesita darle un poco de misterio a su puesta en escena para que lo que nos dice a voces nos entre bien dentro.

Hubo que aventurarse en un ascensor que avisaba sobre la libertad de movimientos en escena pero la prohibición de móviles, esperar ante una puerta  bien cerrada y por fin entrar a una sala oscura, suelo negro, paredes negras y un bulto como una montaña, en el medio del espacio, también negro.
Y cuando empezó la función por una esquina detrás de aquella mole, 
hubo que ir a buscar a los interpretes, difíciles de escudriñar, envueltos en mallas, tapadas sus caras. Se abalanzaba uno sobre otro en posturas procaces e inversoimiles, le agarraba de la piel, 
se la extirpaba y con una tijeras se la cortaba,
Se alternaba uno y otra en los cortes, y daban a enteren que iban poseyendo su piel, solo su piel por tiempos…Y después cambiaba la pareja y seguía el mismo rito. Usando al otro o buscando su esencia, como si la piel fuese el primero y ultimo reducto de la mismidad que nos queda y que damos al otro. Asi entre penumbras como un sonido de maquinaria galáctica, la nueva propuesta de la Ribot nos hizo sentir pequeños en la galaxia de los seres que recortan pieles.
La piel como memoria del acto. Cortada/perdida. Guardada/memorizada. 

Después llegaron otros piezas en las que se establecían rayas sobre el cuerpo. Limites o marcas para establecer un patrón sobre la piel donde poder cortar, una y otra vez, para demostrar que somos seres de repetición. Les abrían en canal, a tijeretazos, para ver su autentico interior.
Al final, con  los protagonistasvestidos formalmente  hasta el cuello, una tinta sangrienta terminó pintando los cuerpos de trio en escena, a golpes de mano de la Ribot, que se ha hecho mas cruda, menos condescendiente en sus propuestas. Parecen unos cuentos o danzas  caníbales apropiados por este inicio tan visceral del milenio

28.2.17

JUSTIN HENDERSON. Bonanza surfista





Tenía a flor de piel una sonrisa de surfer californiano, que era lo que el era, y que delataba un fino sentido del humor, que es lo que aparecía en sus novelas.
Justin HENDERSON traía en la sangre una vena literaria, que le emparentaba nada mas y nada menos que con un mito de nuestra infancia: Su padre fue guionista de la serie BONANZA, y ademas de alimentar nuestros sueños  a Justine le procuro una herencia de derechos de  autor. Nos separamos en Barceloa en uno de los viajes de Justine y Donna a España, y ellos emprendieron viaje a Grecia con la intención de cobrar lo que allí había generado la serie televisiva, porque no mandaba los pagos hasta America.
Justine y Donna eran un regalo de los 80s neoyorquinos. Una pareja que nunca tuvo problemas y que alegraba los sentidos en cada reunion. Su circulo era mas del west, californianos y vecinos. Donna y Pam se unieron por la fotografía, y Justin vibro incluido en el paquete de expatriados en nuevayork… Había otros surfistas en el entorno, que era la clave del pasado de Justin y que lo seria de su futuro, cuando después de la migración postochenta a Seattle, se fue con Donna y su hija Jade a surcar las olas del pacifico mexicano en Sayulita. Nunca fue un surfista fuera de sitio en Nueva York. Tal era su gracia personal, para seguir siéndolo en un mundo sin olas, y para seguir creyendo en el. El oleaje lo iba desparramando en sus novelas.
Allí siguió, en Sayulita,  bien pegado al terreno, con su serie de novelas policiacas en las que los asuntos latinos siempre andaban por medio. Y con la escritura de guías, porque Justin, como Donna, amaba el viaje y corretearon Europa y America, a veces en una fuego color aventura. 
Durante su ultimo viaje a Madrid, anduvimos buscando fotos para ilustrar un libro sobre el Guggenheim, convertido en el nuevo fetiche del turismo cultural. Fue nuestro ultimo encuentro, aunque las redes nos han permitido comunicarnos todo el tiempo en estos últimos años, y estar cerca de cada avatar.
Justin lo paso mal en su percance mexicano que casi le cuesta la vida. Y ahora le ha llegado un temprano adios que venia marcado en su piel. Cuenta Dona que había empezado una nueva novela policiaca bajo el titulo de "The sun. Its killing me”. El sol me esta matando…, donde se aperciba el genero literario que gustaba y su fino sentido del humor, siempre presente en su vida. Y en la nuestra.
Noi recuerdo a Justin ni enfadado, ni enojado, ni cabreado…mas bien lo contrario. Dificil recordarle sin una sonrisa, una buen chiste suave, una palabra de animo y alegría. Con Donna hacia la pareja ideal. Ellos eran felices, y tamboreen los demás contemplándoles. 
Resulta didil pensar que ya no esta aquí. La vida pasas. Aquellos ochenta se fueron. También los post. Y otras situaciones. Pero también da alegria recordar que los amigos que se van, que se fueron, son tan buenos!!!

So long Justin !!!!! The great surfer and writer, king of the smile, always a friend

15.2.17

UN PRESIDENTE VULNERABLE

No han pasado los cien días, ni siquiera el mes desde su llegada a la presidencia, y Donald Trump ya es un presidente vulnerable. Perder en pocas semanas a uno de los principales cargos elegidos por el, el muy influyente Consejero de Seguridad Nacional, es una catástrofe para la credibilidad de un presidente, del Presidente Trump.

Lo mas graves es que la causa de la caída es el factor ruso. Y la circunstancia muy reveladora. El FBI controlo la conversación del Flynn con el embajador ruso. Esta claro que el peso de los “servicios de inteligencia” es clave en el funcionamiento de los centros de poder americanos. Trump que visito la CIA el primer día de su mandato, lo debía intuir. Ahora lo sabe con certeza. Aunque se de muchas vueltas al caso, y el enredo tienda a complicarse a caces para hacerle inverosímil, quizá lo que veamos en juego en las próximas semanas es si las reuniones de Flynn con los rusos se hicieron a petición del Presidente entonces electo Trump. Si eso fuese así, quien sabe si el cacareado impeachment contra Trump ya estatuaria prácticamente en marcha. Las carcajadas de Putin se oyen mas alla de la Plaza Roja fuera de los muros del Kremlin.

3.2.17

SPAIN.— El aliado numero 15


AMONG...
DEMOCRATSREPUBLICANSINDEPENDENTS
Canada2nd2nd1st
Britain1st3rd3rd
Australia4th1st2nd
France3rd9th5th
Ireland9th6th4th
Italy5th4th9th
Germany8th12th7th
New Zealand10th8th8th
Sweden6th10th12th
Norway11th13th6th
Switzerland7th7th18th
Netherlands12th14th10th
Denmark16th11th11th
Finland18th16th15th
Spain14th15th20th
Places Americans say are enemies

liberty blues

 



50s art street: On Tenth Street NYC

L. Parker Stephenson Photographs is pleased to present an exhibition of vintage and early photographs by John Cohen that capture the creativity of the most pivotal period in American art of the twentieth century. Cohen’s intimate views from the late 1950s and early 1960s bear witness to the vibrant and overlapping communities of artists, filmmakers, poets and performers active at the time in New York City. His recently published book, Cheap Rents... and de Kooning (Steidl, 2016) provides further context to the scene. Please join us for an opening reception and book signing with the artist on Thursday, December 1st from 6-8pm.
. . . New York’s Tenth Street is to the twentieth century what Paris was to the nineteenth: the art center of the world.
– Gene Lichtenstein for Esquire, September, 1959
After WWII, energized by inexpensive and available real estate, a hybrid community of artists, musicians and writers cohabited along New York’s East 10th Street. Abstract Expressionists Philip Guston and Franz Kline mingled at nearby Cedar Tavern with Mercedes Matter, Aaron Siskind, James Brooks and Jack Tworkov. Art News editor Thomas Hess led lively discussions at The Artists’ Club. Exhibition openings at nascent artist-run spaces like Tanager, Reuben, Brata and March galleries were brimming with artists, critics and historians. Poets Allen Ginsberg and Gregory Corso romped to the rhythm of Jack Kerouac’s lyrics while gallerist Richard Bellamy and painter Alice Neel posed piously for Robert Frank’s camera in his and Alfred Leslie’s now iconic Beat film, Pull My Daisy. Allan Kaprow and Red Grooms staged early Happenings with Claes Oldenburg, Lucas Samaras, Bob Thompson, and Mary Frank engaging with eager audiences.

John Cohen (b. 1932) was a witness to this extraordinary era of experimentation and transition as well as a participant. After graduating from Yale University School of Art in 1957 (studying under Herbert Matter and Josef Albers), Cohen settled around the corner from Tanager Gallery on East 10th Street, across a courtyard from Willem de Kooning and next door to Robert and Mary Frank. In Jed Perl’s words, Cohen produced a “definitive photographic impression of a hell-bent, headstrong time” as one of a new generation of photographers “mixing gritty stylizations of film noir with a Dadaist playfulness”. *
Cohen’s archive of films, photographs, music recordings, and other historic ephemera was acquired by the Library of Congress in 2011. His photographs reside in the collections of the Metropolitan Museum of Art, The Museum of Modern Art, the Morgan Library and Museum, the New York Public Library, the National Gallery of Art, the Smithsonian’s National Portrait Gallery, and in the Victoria and Albert Museum, among many other notable museums. Eight monographs of Cohen’s work on Peru, Bob Dylan and Woody Guthrie, Kentucky and the roots of American folk music have been published in recent years by Steidl. Signed copies are available at the Gallery.
Coinciding with the Gallery’s exhibition, New York University’s Grey Art Gallery will present Inventing Downtown: Artist-Run Galleries in New York City 1952-1965, an exhibition and accompanying catalog, both of which feature Cohen’s work. In addition, Anthology Film Archives will host a two-day program of Cohen’s films, January 28th- 29th. This past summer the Centre Pompidou in Paris included two dozen of Cohen’s Pull My Daisy photographs in its Beat Generation exhibition which opens at the Center for Art and Media - ZKM, Karlsruhe, Germany this month. 

30.1.17

PALOMA CHAMORRO: SU EDAD DE PLATA, EN LA PINTURA


























SI la movida y sus musicas le dieron a Paloma Chamorro su edad de oro esplendoroso, su gran edad de plata la encontró en el mundo pictórico, al que dedico trabajos muy especiales en televisión.
Miro, Dali, Maruja Mallo, Palazuelo o Barceló fueron objetivo de su curiosidad y sus grandes reportajes. Cuando yo intente sacarla de su retiro de El Escorial a principios del nuevo milenio, lo único que de verdad le interesaba era rematar un Velazquez  inconcluso. Pero Paloma ya no quería tener nada que ver con “el mundo visible” al que le dio su cara y su alma con sus intensas horas de tele que aun seguimos devorando.



Aunque “La Edad de Oro” es lo que “mas se sigue repitiendo en los programas de retales que ensalzan la movida, sería bueno rescatar su vertiente de trabajos culturales mas cuajados. Por eso  y gracias a la recopilación de sus trabajos que hicimos en los canales temáticos de TVE, quiero dejar constancia de algunos de esos documentales, algunos para la historia como los de Dali, Miro o Mallo.

Este es el resumen:
“Goya.” Relato biográfico del artista, a través de su obra. El documental se estructura en seis apartados y la cámara se recrea en el relato sobre el conjunto así como en los detalles más significativos de cada uno de los cuadros.
Dirección: Paloma Chamorro. Guión: Valeriano Bozal y P.G. Chamorr.o 1997


Dali programa dedicado a la figura de Salvador Dali con motivo de su 75 cumpleaños y de su ingreso en la Academia de Bellas Artes de Francia. El pintor reflexiona sobre el surrealismo y sobre lo que su “Método paranoico crítico” aportó al arte. Defiende el delirio cuando se transforma en algo material que se puede ver y tocar.  Piensa que a partir de su ensayo titulado “Ensueño” y calificado de pornográfico por Bretón y los comunistas, se agudizo su individualismo y su escepticismo. Recuerda su encuentro con Freud en Londres. Se incluyen las opiniones  de  Phephane Lupasco (físico y filósofo), Ignacio Gómez de Liaño (escritor) Marcelin Pleynet (escritor y crítico de arte).n En el Tercer y último programa sobre Salvador Dali. En esta parte de la entrevista el pintor dice que considera el deseo individual la máxima virtud revolucionaria y motor de la subversión moral.  Para Dalí, el surrealismo hizo crecer a su paso lo fantástico como lo hizo la revolución de Mayo del 68. Habla de la paranoia crítica aplicada a sus cuadros y a su obra escrita. Reflexiona sobre lo que representa ser un genio y distinto de los demás.  Contiene opiniones sobre Dali de Guillermo Pérez Villalta (pintor), André Robinet (filósofo), etc

 “Maruja Mallo”.  Paloma Chamorro entrevista a la pintora de la generación del 27, Maruja Mallo sobre su vida y obra artística. En el programa Maruja Mallo recuerda sus primeros años de formación y su relación con destacadas personalidades del mundo intelectual, con algunos de los cuales compartió amistad y proyectos, entre los que se puede contar Buñuel, Dalí, Miguel Hernández,  Neruda, García Lorca o Gasset.
Mallo Nace en Vivero, Lugo 1902 y muere en Madrid en 1995. Pintora de gran formación clásica que, sin embargo, rompió cánones. En 1932, expuso en París “Alegrías de las verbenas” . Transformó estas alegrías en sus dramáticos “Espantapájaros” ó “Cloacas y campanarios”. Más tarde, inicia la serie “La sorpresa del trigo”.  Su conexión con el grupo de la vanguardia intelectual española, en su doble vertiente literaria y pictórica, hace de esta pintora una figura destacada .

Miró. Paloma Chamorro entrevista al pintor mallorquín Joan Miró. A través de ella, iremos conociendo las distintas épocas del pintor, tanto desde el punto de vista personal como artístico.  En Barcelona, en 1893, nacía Miró. En su compañía, conoceremos su juventud, sus primeras obras juveniles, su influencia confesada por el romántico catalán o cómo aprendió la simplicidad de Urgell, su maestro. Su pintura parece espontánea, pero nace de la exigencia consigo mismo: es perfeccionista y complejo, un abstracto imaginativo. Es el creador del espacio del sueño. Habla con los sentidos y a los sentidos. “Miró (2ª parte). En este segundo programa, el que fue calificado por Bretón “la mejor pluma del sombrero surrealista”, demuestra , sin embargo, su independencia respecto al grupo. En 1927, tras pasar auténtica hambre, consiguió gran éxito de crítica y ventas en su segunda exposición: Hemingway le compró “La Masía”. Sin embargo, no es comprendido cuando pinta “Esto es el color de mis sueños”. Participa en el pabellón de la República de 1937. “Miró”(III). Tras su estancia en París, Miró regresó a Barcelona en 1944 para iniciar su exilio interior, ya que nunca se sintió cómodo en la España franquista. En 1956 se instala definitivamente en Palma, donde Sert le había edificado un estudio museo. En el programa se puede contemplar a Miró pintando en su estudio, al mismo tiempo que nos habla de sus cuadros y litografías. Se incluyen las opiniones de los pintores Maruja Mallo y Robert Motherwell sobre la obra de Miró.
Dirección, guión y presentación: Paloma Chamorro

 “Palazuelo”. Un trabajo que Paloma Chamorro ha realizado para Televisión Española sobre pintores españoles. El documental de esta semana es un monográfico sobre la obra del pintor y escultor español contemporáneo Pablo Palazuelo. A través de la entrevista, el pintor explica su obra, dividiéndola en diversos temas: su estancia en París, su descubrimiento del cubismo y la geometría de Paul Klee, los números y la unidad, el impulso erótico abstracto, la escultura, las vanguardias y el futuro del arte. A lo largo de todo el documental se incluyen planos de sus cuadros y esculturas.
España, 1996

Oteiza.- Paloma  Chamorro, con su peculiar forma y profundidad de conocimientos en arte , nos sumerge en estos dos programas de “La realidad inventada.”, en el proceso creativo de uno de los máximos representantes de la escultura española de la segunda mitad del siglo XX: el escultor vasco Jorge Oteiza. El proceso creativo de este artista va desde la figuración de sus primeros años hasta la abstracción. A lo largo de este camino, el escultor va vaciando la escultura, sometiéndola a la progresiva pérdida de masa a favor del espacio-energía como materia escultórica. Jorge de Oteiza, nace en Orio (Guipúzcoa) en 1908. Se da a conocer en los años previos a la Guerra Civil española, en el seno de la vanguardia vasca.  Entre 1935 y 1948 vive en diversos países latinoamericanos. En 1949 regresó a España y al año siguiente recibe el “Gran Premio Internacional de Escultura de la IV Bienal de Sao Paulo”. En los años cincuenta tenderá cada vez más hacia la construcción del vacío y la geometrización de los volúmenes. Colabora con Sáenz de Oiza en la decoración escultórica de la Basílica de Nuestra Señora de Aránzazu.

“La realidad inventada. Jorge Oteiza” (1ª parte) Paloma Chamorro nos acerca no solo al escultor sino al hombre, entregado al estudio de la sensibilidad prehistórica, al poeta,  y al interesado en la lengua vasca. En 1958 abandona la escultura por coherencia, consideraba que el arte contemporáneo experimental había concluido. El arte fue para él una dimensión sagrada que le ayudo en su vida personal. Las claves para este esteta fueron: la comunicación, la expresión y el vacío.(2ª parte)  En esta segunda parte, Jorge Oteiza  habla sobre su escultura, sobre su pasión por vencer al tiempo y sobre el minimalismo. “Figura para el regreso de la muerte” de 1950 es característica de ello. En “Homenaje a Mallarmé” explica su concepto de la relación tiempo / espacio. Este apasionado escultor vasco nos adentra en su obra tan vinculada al País Vasco de la que dejó huella en la basílica de Aránzazu.



“George Condo” (I)  Primera parte del programa monográfico dedicado al artista norteamericano George Condo donde se incluye una amplia entrevista realizada por Paloma Chamorro  en la residencia del artista en París y un reportaje de su obra expuesta  en diversas galerías europeas y norteamericanas y pertenecientes a colecciones particulares. El pintor habla de su formación pictórica, de las distintas tendencias que le influyeron, de su concepción de la pintura y proceso de elaboración de imágenes, de los pintores actuales a los que se siente más próximo, del proceso creativo (técnica, composición, color estilo...), sobre el mercado actual y los marchantes y cómo ve la pintura del futuro.
 “George Condo” (II) Segunda parte de la entrevista que Paloma Chamorro realiza al pintor norteamericano George Condo, en la que habla sobre las vanguardias del siglo XX y de la postmodernidad, de la función que desempeña la emoción, el sentimiento y la pasión en el proceso creativo, de la corriente artística que más ha influido en su obra, de la crítica de arte actual, de la relación con los artistas actuales y del pasado, de Nueva York, Colonia y París como centros artísticos y, finalmente, del significado que tiene para él España y los pintores Dali, Picasso y Miró. A lo largo de toda la entrevista se intercalan planos de sus cuadros.
Dirección: Paloma Chamorro.
Emisión: 24 de octubre, a las 22:00 horas.

 “David Hockney”  Monográfico dedicado a uno de los grandes pintores de nuestro tiempo, cuya obra destaca por su fotogenia, capacidad de persuasión y modernidad.  Se muestran obras realizadas por  Hocney a lo largo de treinta años. Paloma Chamorro presenta el programa en que explica la sensibilidad de la obra del pintor y lo entrevista en su estudio de los Ángeles. En ella nos comenta la influencia que ha recibido su pintura de las experiencias de la infancia, de su origen familiar, de otros artistas contemporáneos y del cubismo, también comenta su atracción por los dibujos del agua en las piscinas y su fascinación por la cámara fotográfica y su preocupación por la perspectiva. Su atracción por los dibujos del agua en las piscinas y su fascinación por la cámara fotográfica , sus trabajos para escenarios de óperas. Mientras,  se intercalan planos de cuadros, collage y dibujos así como fotografías en las que se observa al artista en distintos momentos de su vida. Interviene el crítico Hilton Kramer.
“La realidad inventada: David Hockney II”. Segunda parte de la entrevista que Paloma Chamorro realiza al  pintor contemporáneo Hockney. De gran sensibilidad, está alejado de la concepción artística de los grandes clásicos y de la racionalidad de los museos. En esta parte de la entrevista profundiza en el uso de la perspectiva y la influencia fundamental del agua y de la cámara fotográfica.
Dirección y guión: Paloma Chamorro Fotografía: José Ramón Torcida Música: Bernardo Nonezzi


MIQUEL BARCELÓ.  El pintor español Miquel Barceló  ha sido reconocido con el ‘Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2003’. El jurado ha considerado a Barceló “uno de los nombres máximos de la pintura contemporánea”, además de su “proximidad a la realidad vital a través de un prisma mediterráneo”, que ha plasmado en sus trabajos.  Miquel Barceló, (Mallorca, 1957), es uno de los artistas más destacados en las artes plásticas internacionales. Tras estudiar en Palma de Mallorca  y Barcelona y después de trabajar en diferentes talleres, se unió al grupo de arte conceptual “Taller Lunatic”. Alterna sus estancias en Mallorca y en Mali, lo que confiere a su obra una riqueza de temas y materiales muy interesante. La naturaleza, tanto terrestre como marítima, es quizá su característica más notable. Pinturas, frescos, esculturas y cerámica conforman la apasionante producción de este artista contemporáneo.  El documental programando se realizó con motivo de las exposiciones que presentó en la Whitechapel Art Gallery  de Londres y en el Instituto Valenciano de Arte Moderno, exposiciones que recogieron los últimos diez años de pintura del artista.  Incluye una entrevista realizada por Paloma Chamorro en su estudio de Mallorca. España, 1995