CHICAS ( Yasmina Reza) y Mr. NICE (Bernard Rose) en el FESTIVAL DE SEVILLA

LUIS TOSAR, ELSA PATAKY Y CARMEN MAURA  en los repartos.

La producción británica ‘Mr. Nice’ de Bernard Rose, cuenta con Luis Tosar y Elsa Pataky en el reparto. La película, basada en hechos reales, narra la extraordinaria historia de Howard Marks, licenciado en la Universidad de Oxford, reconvertido en traficante de drogas. Durante la década de los ochenta, Howard Marks tenía cuarenta y tres apodos, ochenta y nueve líneas de teléfono y era propietario de veinticinco empresas mercantiles por todo el mundo.

En la cumbre de su carrera, pasaba cargamentos de contrabando de hasta treinta toneladas de marihuana y mantenía contactos con grupos tan diversos como la CIA, el IRA, la Mafia y los servicios secretos británicos. Tras una operación global por parte de la Administración de Control de Drogas estadounidenses (DEA), Marks fue detenido en España y extraditado a Estados Unidos, donde recibió una condena de 25 años en una prisión de máxima seguridad. Producida por Luc Roeg, hijo del director y presidente del jurado de la pasada edición, Nicholas Roeg, la película ha sido rodada, parcialmente, en los Estudios de la Luz en Alicante.


La producción gala ‘Chicas’ supone el salto a la dirección de Yasmina Reza, una de las mejores escritoras del país vecino, reconocida mundialmente por su obra de teatro ‘Arte’, que ha recorrido los escenarios de todo el mundo. Carmen Maura es la protagonista de la cinta, le acompaña en el reparto la actriz francesa Emmanuelle Seigner.

Según Reza la película “no es autobiográfica, pero sí contiene una dimensión personal”. ‘Chicas’ cuenta la historia de Pilar, a la que da vida Carmen Maura, y de sus tres hijas, cada una de ellas con una vida diferente. Un domingo en París, Pilar invita a sus hijas y a su yerno para que conozcan a su novio. Una extraña reunión en la que todos intentan comportarse bien. Este simple acontecimiento dibuja una variación sobre el exilio y el destino. Parte de la cinta ha sido rodada en localizaciones de Andalucía.

En ‘Chicas’ aparece Stephen Frears haciendo de él mismo. El director británico recibirá, este año, el Premio de Honor del Festival de Sevilla que tendrá lugar del 5 al 13 de noviembre.

CINE sin FIN

    Hace ya un tiempo que las películas han dejado de incluir en su último fotograma la palabra “fin”. Ni fine, ni the end. No se sabe muy bien cuando sucedió, ni tampoco es fácil explicar el porqué. Hay tantas películas con “finales abiertos”, que quizá era contraproducente poner un  rotulo dando la historia por concluida.   El cine es un sueño sin fin. Aunque la caja de luces del Kursaal de San Sebastian haya apagado por esta edición, y se marche su gran director Mikel Olaciregui, la fiesta de las películas seguirá con otro entusiasta de este mundo como José Luis Rebordinos. Hasta entonces el carromato de los festivales con “S” irá de san Sebastián a Sitges y luego a Sevilla.
    Quizá sea la televisión- culpable de tantas cosas –la que se ha comido el “fin” de las películas, de la misma manera que va eliminando de la emisión los créditos de final de las mismas. En la tele no valen los tiempos muertos, para evitar el zapping. Parte del cine muere en la tele, pero hoy día es el medio en el que mas vive. Lo financia, lo programa o es el soporte para el cine en DVD. Lo que se echa de menos es mas información de cine en televisión. La cuota la cubre casi en exclusiva, desde hace tiempo, “Días de cine”. Igual que el cine anda reiventándose, su programa por antonomasia también se vio obligado, tras la marcha del insustituible Antonio Gasset., a una reconversión de formato, situándole entre las propuestas mas innovadoras. Ha ganado velocidad pero no ha perdido el rumbo. Es ahora mas vistoso, y hasta tiene un halo internetiano. Ha ganado en frescura, sin perder intensidad. Gran parte de la información sobre el cine está teñida por el adjetivo de la critica, y se nota un déficit de la información sobre la vida del cine y de las películas. Los críticos suelen estar mas cerca de lo acadámico. “Dias de cine” baila sobre ese alambre. Es importante mantener a los  cinéfilos pegados a tu programa, pero también encontrar a la nueva audiencia que quiere imágenes, historias de rodaje, perlas históricas... Vivan los días y las noches de cine, con o sin fin.

     

Con Manuel Palacios, dr de galas del Fest de SS y Eduardo Trias, dir del festival de Huelva.

LA MALETA MEXICANA. CAPA Y WEISZ

Emérico Chiki Weisz es el hombre clave en la conservación para la historia de los negativos de Robert Capa. Mimetizado por su trabajo en el cuarto oscuro, siempre ha ocupado un lugar de secundario en la historia. Quedó primero a la sombra de su compañero de lucha política, exilio y profesión. Y después fue ensombrecido por la apabullante dimensión de su esposa, la pintora Leonora Carrington, hasta su muerte hace poco mas de un año en Ciudad de México.
No parece casual que este deseado botín fotográfico, de unos 3.500 negativos, solo haya salido a la luz tras la desaparición del hombre que preparó con mimo y rigor los tres maletines de cartón para un viaje que ha durado casi setenta años. En 1940, con Capa en Nueva York, el laboratorio de Paris quedaba a merced de la quema de los nazis. El testimonio gráfico de los protagonistas de la guerra civil española, de la lucha antifascista en Europa corría peligro, y fueron la mano ordenada y el corazón de acero de Chiki Weisz quien lo pondría a buen recaudo en Marsella, desde donde alocadamente huían bienes y personas al exilio.
La lucha antifascista había unido en la agitada juventud a dos chicos judíos de Budapest, que animaban en mítines a los obreros de la capital húngara a reivindicar salarios y condiciones de trabajo. Eran Chiki y Bandi, el apelativo de Endre Friedmann, que terminaría adoptando el nombre artístico de Capa para firmar sus reportajes fotográficos. Tras sufrir detenciones y ante un ambiente político cada vez más espeso y un creciente antisemitismo, en el verano del 33 escapan en un barco a vapor por el Danubio rumbo a Viena, Berlín, París,… Sin domicilio fijo, con el estomago lleno de agujeros, solo les salvó la vida su juventud, el anhelo político y finalmente la fotografía.
Su compromiso político y fotográfico les trae a España en 1936, en compañía del tambien fotógrafo Maurice Oshron. Aquí nacería la leyenda de Capa, sustentada en buena medida en el trabajo estoico y seguro de Weisz,
su mano derecha para el revelado y el orden de las fotografías.
Durante un tiempo, las imágenes captadas por Capa y por su compañera sentimental Gerda Taro acabaron confundidas en un mismo montón bajo la firma de Capa. Parece que lo mismo pasó con las de Weisz y Oshron. “Muchas de las fotos de la Guerra Civil que se adjudican a Capa fueron producto del trabajo conjunto de los tres amigos. Mi padre nunca quiso reclamar ningún crédito. Adoraba a Capa, sobre todo porque le ayudó a escapar a México”. La opinión serena de Gabriel Weitz, hijo mayor y profesor de literatura en la Universidad de México, no impide pensar en la importancia del “hombre oscuro” tanto en la creación, como en la preservación del legado de Capa.
Leonora y Chiki con su cámara

En mi reciente visita al domicilio del ya fallecido Chiki para rodar una película documental con su viuda, Leonora Carrington, el legado fotográfico del “amigo de Capa” seguía sin airear en un cuarto de la segunda planta de su casa en la calle Chihuahua. Leonora se refería a sus fotos con respeto pero sin petulancias. Mas expresivo fue, en nuestra charla sobre ellos, el escritor Carlos Monsivais: “Chiki es un fotógrafo de muy buen nivel, absolutamente desconocido, entre otras cosas porque tuvo que trabajar a destajo tomando fotos de encuentros burocráticos o encuentros culturales en el mejor de los casos, pero de un modo infatigable. Él era muy franco, tenía opiniones políticas claras y eran muy antifascista, muy antifranquísta, muy antinazi por su experiencia de judío húngaro . Debe de tener una colección, una serie de retratos, algunos que conozco, muy buenos”. Sacar sus fotos a la luz, junto con las del legado Capa que el protegió, es una tarea urgente.
El análisis de los carretes reaparecidos en los maletines, ahora en manos del International Center of Photography en Nueva York, permitirá esclarecer aspectos sobre la autoría, sobre la secuencialidad de las tomas y sobre historias controvertidas como la que rodea a la sin duda joya de la corona del trabajo de Capa: Muerte de un miliciano, publicada por vez primera en septiembre del 36 en la revista francesa Vu, y cuyo negativo no volvió a encontrarse. Quizá porque creó tal fulgor, la instantánea fue acusada de estas montada para la ocasión. Como en tantos otros momentos del reporterismo bélico. Si entre los negativos encontrados aparece la secuencia podría darse por finalizada la interesada polémica. También hay quien ha atribuido la foto más arquetípica de la guerra a Gerda Taro o incluso al propio Chiki Weisz. ¿Quizá por eso conservó tan amorosamente los maletines hasta el puerto de Marsella?.
Arrestado y deportado a Argelia, Weisz debió entregarlos al general mexicano Francisco Aguilar González, diplomático en Marsella, defensor de la causa de la República y mano amiga para los refugiados antifascistas que buscaban salida ante el empuje alemán en Francia. Ni él, ni Weisz, que embarcó en el buque Serpa Pinto en Casablanca rumbo también a México, ofrecieron nunca datos sobre los maletines a quienes les interrogaron sobre estos hechos.
En un trasunto de vidas paralelas, su esposa Leonora Carrington escapó en el mismo año 40 de Francia a España y después a Portugal para casarse en primeras nupcias con otro diplomático mejicano, Renato Leduc, con el que viajaría a Nueva York y finalmente a la Ciudad de México.
Sería la singular y surrealista pintora española Remedios Varo la que juntará a Leonora y Chiki tras el divorcio de ella, en un ambiente repleto de españoles exiliados, como el escultor José Horna y su esposa la tambien fotógrafa húngara Kati Horna, que haría las fotos de la boda. Perdida entre las innumerables y atormentadas batallas del exilio, la historia de los maletines desaparecidos nunca fue revelada. Envuelto en el halo mágico de los episodios increíbles que todos vivieron, nadie reparó o nadie quiso reparar en uno mas de los objetos perdidos en la mayor trashumancia de intelectuales europeos. Aunque poco amiga de hurgar en el pasado, solo Leonora Carrington podría desvelar un posible secreto de alcoba.

ANDREA DEZSO

Born and raised in Nicolae Ceausescu's Communist Romania, Andrea Dezsö received her MFA from the Hungarian University of Design in 1996. A visual artist and writer, Dezsö creates deeply personal narratives across a broad range of media including drawing, artist's books, cut paper, embroidery, sculpture, installation, animation and large-scale murals. Currently she is creating a permanent public artwork for the MTA system in New York City, her second in the city's subways.


Work in many of these media will appear in "Things We Think When We Believe We Know," the artist's first exhibition with Frey Norris Gallery, opening in October, 2010. Rabbit (2009, edition of 12) is a figure in a black jumpsuit, often arranged as a group of multiple figures, which grew out of the artist's residency at a Kohler ceramics facility. These pieces were cast in vitreous china and painted with acrylics, slightly ominous and playful half-life size figures that populate a room with clownish smirks, pot bellies and bulbous bottoms. Dezsö's tunnel books are illuminated manuscripts in cut and painted paper (similar to a once popular and collapsible Victorian form), exploring fables only vaguely articulated in the artist's writing and interviews. Thirty of these tiny narrative tableaux appeared recently in "Slash: Paper Under the Knife," at the Museum of Art and Design in New York. Each tunnel book is rendered in receding layers of richly detailed, hand cut and painted paper - an alien rests in a vineyard, fingers are cut off, a woman's torso is rendered transparent, her organs detailed in intricately cut and bright-hued shapes. Dezsö's recent embroideries - yes, she also sews - reflect aphorisms told to her as a child by her mother, many exhorting her to remain pure and chaste for all sorts of fabulist reasons. These include "A woman's belly starts growing simply from being married" and "My mother claimed that men will like me more if I pretend to be less smart" or "My mother claimed that hepatitis is a liver disease you get from eating food you find disgusting." Some such works, with the "spacesuit" appearance of her figures, often linger on elaborate fantasies born from her childhood experiences. Her mother's tragi-comic truisms and imaginative departures find new life in the new context of the artist's current existence in New York. The fabulist images Dezsö is known for were recently scaled to the size of a building at Rice University's gallery in Houston, where her installation Sometimes in My Dreams I Fly is on view through August of 2010.

NOCHE en LA MECA

    Cuando la disco por antonomasia Studio 54 perdió su reinado en la noche neoyorquina y del mundo entero, los locales que buscaron ocupar su puesto de privilegio tuvieron que ingeniárselas para ofrecer una propuesta que destacase. Dancetería se montó como una casa de varios pisos con distintos ambientes incluida una galería de arte. Nells jugó al mix de blancos y negros, con decoración de terciopelos. Palladium encargó el diseño con suelos luminosos al arquitecto japonés Izosaki.  La mas original fue Área que, además de tener una pecera con un tiburoncito, cambiaba la decoración cada mes a base de unos escaparates montados con conceptos e imaginería  muy singulares. Todo por destacar y lograr mas público.
Seguro que era el mismo objetivo que buscaba en la mas cercana Murcia el superlocal bautizada como La Meca, que con sus remedos arabizantes en la arquitectura y su minarete erecto, ha conseguido publicitarse por toda las teles de España y el mundo entero. Desde que las webs y las televisiones de países musulmanes la descubrieron, la polémica ha recorrido los informativos del planeta, como nuevo objetivo de Al Qaeda. Lo que los decoradores y publicistas buscan afanosamente para destacarse ha topado con la nueva inquisición que no acepta ni alcoholes, ni bailes, ni mucho menos supuestos guiños publicitarios con “su” (habría que escribirlo en mayúsculas) credo. También hubo una iglesia sin culto convertida en discoteca en aquel Nueva York de los ochenta. Nadie se rasgaba las vestiduras entonces. Bien es verdad que la religión ha ido tomando otros derroteros. Laicismo galopante en occidente, radicalismo creciente entre los islámicos. Pero ahora, ni la  arquitectura. ni siquiera la denominación de un local queda a salvo de una afrenta semántica. Cuando soñábamos con un mundo mas libre, primero con el 68, luego en los ochenta y ahora en el nuevo siglo, resulta que la inventiva de los reyes de la noche puede herir sensibilidades vía web o tv en la distancia. Como en Irán, terminaremos bailando y bebiendo encerrados en casa, lejos de La Meca.

STEPHEN FREARS, PREMIO DEL FESTIVAL DE SEVILLA

EL FESTIVAL DE SEVILLA CONCEDE SU PREMIO DE HONOR INTERNACIONAL A STEPHEN FREARS

Foto JMD

Uno de los directores británicos más distinguidos y provocadores, Stephen Frears, recibirá el Premio de Honor Internacional de la séptima edición del Festival de Sevilla por su "maestría, originalidad y compromiso social al afrontar siempre con éxito los diferentes géneros cinematográficos, situándose entre los directores más queridos y admirados internacionalmente"

Además el Festival de Sevilla estrenará, en España, su última película ‘Tamara Drewe’, una radiografía mordaz de lo que puede ocurrir con la llegada de una joven periodista que despertará oscuras pasiones y provocará una cadena de circunstancias, tan absurdas como conmovedoras, entre los hombres de un pueblo de la campiña inglesa.

También se recuperará la única cinta rodada por el director británico en Sevilla, en 1983, ‘The Hit’ (‘La venganza’), un drama criminal, en el que junto a los principales protagonistas John Hurt, Terence Stamp y Tim Roth, aparecían Fernando Rey y Laura del Sol. Este título le sirvió para salir del anonimato artístico, alcanzando su primer éxito internacional con ‘Mi hermosa lavandería’. El cine de Frears reincide, principalmente, en comedias dramáticas de localización urbana con tendencia a la sátira social, relatos con ambientes criminales o historias de intrigantes vinculaciones amorosas.

El interés de Stephen por personajes que desafían estereotipos sexuales y sociales continuó en sus dos siguientes películas: ‘Ábrete de orejas’, la aclamada película sobre el celebrado y polémico dramaturgo inglés Joe Orton, y ‘Sammy y Rosie se lo montan’, que se centraba en las relaciones interculturales.En 1988 debutó en Hollywood con ‘Las amistades peligrosas’,’ protagonizada por Glenn Close, John Malkovich, Michelle Pfeiffer, Uma Thurman y Keanu Reeves. Frears fue nominado a mejor director para los BAFTA.Posteriormente, volvió a triunfar con la traslación de la novela negra de Jim Thompson, ‘Los timadores’, producida por Martin Scorsese, que le supuso la nominación a mejor director para los Oscar. Gracias a las actuaciones de John Cusack y Anjelica Houston se confirmó su reputación de ser uno de los directores con más talento de Gran Bretaña de su generación.

Frears ha continuado trabajando en Europa y en Estados Unidos, siguieron ‘Héroe por accidente’; ‘Mary Reilly’, la versión de Frears sobre la historia de Jekyll y Hyde que tuvo a Julia Roberts como protagonista, y un par de adaptaciones de obras de Roddy Doyle, ‘Café irlandés’ y ‘La camioneta’.Posteriormente, realizó el western moderno y romántico ‘Hi-LO Country’ con Woody Harrelson, Penélope Cruz y Billy Crudup como protagonistas; volvió a terrenos más familiares con ‘Alta fidelidad’, una mirada en clave de comedia sobre la naturaleza del compromiso; y en 2000 dirigió el drama infantil ‘Liam’ que seguía las aventuras de una familia de clase trabajadora en Liverpool. A ésta le siguió la aclamada ‘Dirty pretty things’, un thriller sobre los inmigrantes ilegales que sobreviven en Londres.En 2006, trató el vínculo entre la reina Isabel II y el primer ministro británico Tony Blair en ‘The Queen’ con la que dio la oportunidad a Helen Mirren de conseguir su primer Oscar, y en 2009 rodó ‘Chéri’, de la escritora Colette, protagonizada por Michelle Pfeiffer.

LA ENTREVISTA, A FONDO

La entrevista televisiva en profundidad claudicó hace tiempo ante “el mordisco”, el bite en la jerga periodística inglesa, mera declaración intercalada entre la narración de la noticia. La velocidad adoptada por el medio se demostró incompatible con la profundidad, con el dialogo inteligente  y la reflexión que emanan del intercambio de palabras e ideas entre dos personas.
La reciente muerte física de Joaquín Soler Serrano, el hombre que dialogaba a fondo, no es sino una certificación de la defunción de la gran  entrevista como género televisivo muchos años antes. Tampoco resisten en antena el Apostrophes de Bernard Pivot o las entrevistas de Dick Cavett en América. Añoramos los frutos dorados de aquella televisión que no había sucumbido a la velocidad del siglo marcada por el tiempo de los anuncios.
Como genero periodístico, la entrevista parece el mas simple de ejecución, pero es el mas complejo para alcanzar la perfección. Buena prueba es que no se ejerce ya con maestría ni en la televisión, ni prácticamente en la prensa. Su clave temporal es muy parecida al desarrollo del guión dramático y exige un punto de partido relativamente sorprendente, un precalentamiento del entrevistado para hacerle entrar en juego, un punto de inflexión y un final de faena que luzca a ambas partes de la lidia. En las entrevistas hechas “ a fondo” solo la consecución del ritmo adecuado permite alcanzar la confianza del invitado en el plató para sacar el jugo apetecido y conseguir la exclusividad- mas que la exclusiva –en el contenido aportado. Soler Serrano fue un maestro en la creación de la atmósfera y en mostrase como frontón para conseguir la mejor declaración de su entrevistado.
Gracias a la fé y la visión del editor Gonzalo Herralde tenemos ahora en Editrama la colección de las perlas de Soler Serrano, con un nueva introducción, a todo color, realizada años mas tarde por el gran Joaquín, y  que emitimos en su día por el canal temático Grandes Documentales. Hay que revisarlas y reemitirlas, para evitar que sucumba el genero base de toda la comunicación.

ARMADILLO y DRAQUILA, en el FESTIVAL DE SEVILLA

LOS DOCUMENTALES  EUROPEOS MÁS POLÉMICOS DEL AÑO
SE ESTRENARÁN EN EL FESTIVAL DE SEVILLA


La ganadora del Gran Premio de la Crítica en el último Festival de Cannes, ‘Armadillo’ cuenta cómo el idealismo choca contra la realidad durante la construcción de la paz y la democracia en Afganistán. Por su parte,  ‘Draquila, L’Italia che trema’ (‘Draquila, la Italia que tiembla’) es un penetrante informe,  con Berlusconi como protagonista, sobre los acontecimientos que rodearon el terremoto de L’Aquila. Ambos documentales formarán parte de la Sección Eurodoc del Festival de Sevilla que tendrá lugar del 5 al 13 de noviembre.


La película documental ‘Armadillo’, del danés Janus Metz, que recibió el Gran Premio de la Crítica en el Festival de Cannes, es una peligrosa odisea hasta el corazón de la guerra. Se trata de una exploración psicológica basada en la observación de unos jóvenes soldados que viven situaciones extremas en la guerra de Afganistán. La cinta pretende mostrar los efectos de la guerra en la mente y en el comportamiento de los soldados.

Armadillo es el nombre de uno de los puestos avanzados daneses en la provincia de Helmand, en Afganistán, donde el realizador y su equipo tuvieron oportunidad de rodar. El resultado ha sido un material único que no se ha visto anteriormente en ningún documental.
Janus Metz, ganador de numerosos premios por documentales como ‘Ticket to Paradise’ y ‘Love on Delivery’, películas acerca de temas controvertidos como la emigración; los matrimonios de conveniencia; la prostitución y la globalización, presenta en ‘Armadillo’ un drama psicológico protagonizado por dos soldados. El primero es un idealista sensible, con complejo de inferioridad, al que atrae y repele el segundo, lleno de cinismo y sarcasmo, que busca subidones de adrenalina enfrentándose a la muerte. Los dos son jóvenes con ganas de aventura, salen de Dinamarca para su primera misión con el fin de ayudar a los afganos “en nombre de una causa superior y de la idea del bien común. Pero la lucha es cada vez más sangrienta, y el miedo, la paranoia empiezan a afectar a las opiniones y decisiones de los soldados”, afirma Metz. Los soldados regresarán, siete meses después, con las manos manchadas de sangre y marcados por la decepción.

Según Metz, “la película dibuja un retrato de las personas atrapadas entre los poderes enfrentados, que viven situaciones extremas”. Al realizador, siempre le ha gustado hacer películas acerca de personas que viven experiencias traumáticas, “en el contexto bélico y de los jóvenes que luchan, me interesaba descubrir qué percepción de la masculinidad, del bien, del mal, de la civilización y de la barbarie se reflejaba en la acción, y cómo estos conceptos se adaptaban a una historia iniciática” afirma Metz.

 
 ‘Draquila, L’Italia che trema’ (juego de palabras entre Drácula y L’Aquila) es el cuarto largometraje de Sabina Guzzanti una famosa cómica italiana, realizadora y popular autora satírica, que lleva su investigación excavando entre las ruinas del terremoto que devastó la ciudad de L’aquila, el 6 de abril de 2009. Una ciudad devastada por un terremoto, es según Guzzanti , “el lugar perfecto desde el que describir la caída de Italia hacia el autoritarismo, los chantajes, los escándalos que han paralizado el país”. ¿Por qué los italianos votan a Berlusconi? L’Aquila, una magnífica ciudad destruida por un terremoto, nos dará la respuesta a esta pregunta.

La película muestra el trabajo propagandístico de Berlusconi y sus efectos en el pueblo italiano. Guzzanti habla de “por qué la oposición no reacciona, de su inconsistencia y falta de poder político;  y de por qué los ciudadanos no consiguen organizarse”. Esta investigación refleja cómo se ignoran las leyes y se pisotean los derechos civiles. La misión de Sabina Guzzanti, después de una larga carrera como guionista y actriz en programas televisivos de culto, es sacar a la luz oscuros acontecimientos políticos y económicos en la Italia contemporánea.

Como protesta contra la censura impuesta a su programa “RaiOT”, Sabina Guzzanti rodó su versión de la historia en un polémico documental titulado ‘Viva Zapatero’ (2005) en el que condenaba la falta de libertad de expresión en Italia. Después del éxito de taquilla de la película, volvió a colocarse detrás de la cámara con la comedia Le ragioni dell’aragosta (Las razones de la langosta), con los cómicos de Avanzi, un programa de sátira política muy de moda en los noventa. Las películas de Guzzanti han sido una constante fuente de debate, y han conquistado al público.

Sofia y Alex

Sofia y Alex. La gran pareja bendecida por la Mostra de Venecia. 

S. Coppola y A. de la Iglesia han fascinado cada uno a su manera. 

Sutil seducción de la directora de Lost in trasnlation, que regresa a escenarios de hotel con Somewhere.

Arrolladora historia del director español mas original, retratando nuestro circo nacional.

LAS GANADORAS EN SEVILLA, NOMINADAS EN EUROPA

    La academia de cine europeo  EFA ha dado a conocer las 46 películas que optarán a sus premios este año. Entre ellas se encuentra ‘Lourdes’, la ganadora del Girandillo de Oro en 2009 de la realizadora austriaca Jessica Hausner y el filme holandés ‘Nothing Personal’, que se llevó el Giraldillo de Plata en la pasada edición, dirigida por otra mujer, Urszula Antoniak.

Durante las semanas siguientes, los 2.300 miembros de la Academia de Cine Europeo votarán de acuerdo con las diversas categorías para nominar a las películas. Dichas nominaciones se anunciarán el 6 de noviembre en Sevilla durante la celebración del Festival de Cine Europeo. Además, durante la séptima edición del Festival, como es habitual, se proyectarán diversos títulos de esta lista.

La edición 23 de los Premios del Cine Europeo, así como la presentación de los ganadores, se celebrará en Tallin, Estonia, el 4 de diciembre de este año.

BOWLES SCREENINGS, LISBON CINEMATEQUE

THE SCREENING OF PAUL BOWLES 
AT THE PORTUGUESE CINEMATHEQUE 
OF LISBON
 
With special guest star Sara Driver introducing her 1986 film “You are not I”, inspired by a Paul Bowles short-story. An extraordinary première at the Portuguese Cinemateque. 

Other film directors will also present short selections from Paul Bowles documentaries, namely “The making of a Legend”, by the Tangier based artist Karim Debbagh, and

“Traces of Sand and Water: The Lifes of Jane and Paul Bowles”, by the Spanish director Javier Martin-Dominguez. At the end there will be a brief debate with all directors and librarians, moderated by Anabela Duarte with the audience participation.

Nov 22, at 19:oo 

ZOBEL. Museo sonoro

La radio siempre ha tenido a su favor poder saltar fácilmente fronteras y ser bastante mas barata de producir que otros medios. Pero ser transparente y gratuita suele conducir al olvido y consideración  por estudiosos y críticos, de la misma manera que por invisible nos olvidamos de que para vivir necesitamos el aire.  La televisión la fue relegando de las páginas de la prensa y de los libros.  También por el descuido en que ha caído el propio medio, dedicado a aventar palabras para que se las lleve el viento. Hay algún islote en esta radio de” hablar y tirar” que todavía apuesta por crear mundos sonoros, por preservar la memoria oral y colarse así por oídos sin pestañas, que no pueden cerrarse, ni mirar para otro lado…
De madrugada,  en un largo viaje de coche busque la compañía de la radio, y me deje encantar por la historia de un coleccionista de amigos y cuadros, que viajo de su Manila a Boston y Madrid, para recalar en Cuenca, dejando como legado uno de los museos mas originales y completos de la pintura de los maestros de los cincuenta, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca. La historia del sueño de Zóbel, y de los coprotagonistas de aquel empeño, desde Gustavo Torner a Juana Mordó, Antonio Saura o Madero, se fue desvelando en las  ondas con precisión de datos, calidad de guión, rescate de testimonios, cuidado montaje y ambientación sonora de categoría. 
Una muestra del alto nivel en la elección de temas, y en la realización por el equipo casi anónimo de  Documentos  RNE, que bien valía esta reposición de verano.  La radio pública despunta así con sus mejores calidades y hace historia, mas allá de esa otra radio de parlanchines de mañana o tarde que llenan el aire, sin ir a parar a ningún museo de la historia sonora. Esta memoria oral bien hilvanada preserva voces y argumentos necesarios. Y a la vez mantienen viva la llama de aquella gran  época de teatros radiofónicos, o de los programas de “radio y ensayo” como los que compartimos con Echarri, Maqua, Revillo, Rioyo, Ferreras  y otros amantes del aire hecho arte. 

Verano histórico

           Cuando en España se aprendió a hacer televisión competitiva, el producto extranjero que solía llenar nuestra pantalla, terminó relegado por los programadores al verano. El botón de muestra de la temporada ha sido la serie Los Tudor, culebrón histórico de rica ambientación, actores de nivel y guión tan bien trenzado, como para esperar con fruición el próximo capitulo. Su calidad y su argucia narrativa han cosechado el éxito esperado, convirtiéndola en el claro éxito de este verano. Pero seguro que en temporada alta,  las cifras serían aun mas destacas en share y en el numero total de espectadores. Lo mismo sucede con la información internacional, Apenas con hueco en los telediarios habituales y clave en el relleno veraniego. Este año hemos tenido más de lo mismo. Pero igual que la Historia de Enrique VIII y Catalina de Aragón resultaba mas cercana de lo previsto a los intereses dela  audiencia española, las noticias del mundo han venido teñidas de aromas nacionales. Desde Afganistán o desde el Sahel. En un caso marcadas por la muerte, en el otro con el final feliz de un secuestro largo e informativamente discreto. 268 días han pasado los dos cooperantes lejos de familia y de focos de televisión.
La discreción de los medios españoles ha evitado tanto poner en peligro a los rehenes, como dar pábulo al interés propagandístico de los secuestradores. Siempre discutible el papel de los medios, por ir demasiado lejos o por no llegar, es en estas crisis en las que unos u otros se juegan su papel de la Historia. Los medios bailan sobre el alambre entre el derecho a informar y el deber ético ante la seguridad de personas en peligro. El secuestro es justo el envés de la razón de ser de los medios de comunicación. Personas apartadas de la luz publica,  para sacar el máximo rescate. Liberados unos, muertos otros en la travestida guerra afgana,  el ojo de la tele debe retomar el foco. Casi ausente de los dos escenarios de crisis,  tiene que volver a centrarse en la Historia de fondo, y no dejar su análisis  para temporada baja, como les pasa a Los Tudor